TextyHelnwein

Es gibt eine „Replik“ des österreichischen Malers Gottfried Helnwein auf diese Richter-Arbeit, nachdem u.a. Alice Schwarzer kritisiert hatte, dass Richter keine Frauen gezeigt hatte.Diese 48 Frauenportraits aus dem Jahr 1991, 1994 von Peter und Irene Ludwig erworben, gehören heute auch dem Museum Ludwig. Yilmaz Dziewior: Die „Replik“ des österreichischen Malers Gottfried Helnwein, 48 Frauenportraits aus dem Jahr 1991, 1994 von Peter und Irene Ludwig erworben, zählen zum Sammlungsbestand des Ludwig Forum in Aachen. Die Fotoserie zu dieser Arbeit befindet sich in Sankt Petersburg.

Helnweins eigene Aktionen „Hallo Dulder“ und „Allzeit bereit“ aus den mittleren 1970er-Jahren sind wahrscheinlich die letzten Abkömmlinge von dem, was man als „das Österreichische“ in Helnweins Kunst bezeichnen könnte. Danach ist Helnwein eher ein deutscher Maler, dessen Bilder man neben Gerhard Richters gebrochenem Fotorealismus sehen möchte, um ihren internationalen Stellenwert angemessen zu bestimmen... Die gesamte Kunst Helnweins ist eine Auseinandersetzung mit der Wirklichkeit: aus dem Geist des Einspruchs. Das definiert ihre Schärfe. Das macht ihre Bedeutung und Größe aus.

Wohl kein Künstler hat sich in den letzten drei Dekaden des 20. Jahrhunderts genauer, tiefer und eindringlicher in das weitgehend versiegelte Gefüge der natürlich-biologischen, der anthropologisch-sozialen und der kulturellen Bedingungen der menschlichen Spezies („conditio humana“) eingegraben wie Helnwein. Unermüdlich hat er die artspezifischen Merkmale im Wechselspiel zwischen Genom, Epigenom, sozialem und kulturellem gesellschaftlichem Umfeld aus den Formationen biologisch-kreatürlicher Verklammerung vorhistorischer wie historischer Zeiten abgetragen und frei gelegt. Schicht um Schicht. Er hat sie aus den Verließen der verdrängten und vergessenen menschlichen Erfahrungen ins Sichtbare gehoben. Mit ihnen traten die zahllosen psychischen und physischen Beschädigungen, die sich durch den sich anschließenden zivilisatorischen Druck und die meist schmerzhaften kulturellen Anpassungen (keineswegs alle freiwillig) einstellten, wie von allein in Erscheinung.

„In memory of the children of Europe who have to die of cold and hunger this Xmas“, schreibt der nach London emigrierte österreichische Maler Oskar Kokoschka im Winter 1945 auf den Entwurf zu einem Plakat. Auf eigene Kosten lässt er 5000 Stück drucken und in U-Bahn-Stationen affichieren. Im Spätherbst 1988 montiert der ins Rheinland emigrierte österreichische Maler Gottfried Helnwein entlang einer 100 Meter langen Wand zwischen Kölner Dom und Museum Ludwig eine Reihe von vier Meter hohen Fotodrucken mit Kindergesichtern. Er nennt die Arbeit „Selektion (Neunter November Nacht)“. Es ist ein Werk von monströser Aussage und schmerzhafter Wirkung. Sein Titel ruft den Jahrestag der sogenannten Reichskristallnacht in Erinnerung, durch ihn gibt Helnwein den Kinderporträts ihren beinahe überwältigend erschütternden Effekt. Während wir mit Gottfried Helnwein seine Ausstellung für das Lentos Kunstmuseum vorbereiten, recherchiere ich gleichzeitig für ein anderes Projekt über Kokoschka. Die Geschichte der Londoner Plakate ist mir neu. Unbeabsichtigt und unerwartet blenden sich die beiden Künstler-Leben für einen kurzen, berührenden Moment ineinander. Mit beträchtlichem Einsatz an Gestaltungskraft, Kommunikationsfähigkeit, organisatorischer Erfahrung, Umsetzungsenergie und finanziellen Mitteln widmen sich beide Künstler aus gegebenem Anlass einem Appell: Zur Erinnerung!

Was inspiriert Helnwein zu solchen ungeheuerlichen Albträumen? Woher bezieht er seine Einsichten in die Gemeinheit und Niedertracht menschlicher Natur? Woher rühren seine geradezu halluzinatorischen Fähigkeiten? Was hat ihn die Massaker an amerikanischen Schulen sehen lassen, noch ehe sie sich ereignet haben? Helnwein spürt den auf Gewalt und autoritärer Unterdrückung basierenden Kitt, der unsere Gesellschaft im Innersten zusammenhält: Die Ausbrüche der Gewalt überraschen ihn so wenig wie den Seismographen die Eruption eines Vulkans. Diese Darstellungen der Schattenseiten sind umso verstörender, je schöner und ruhiger sie werden. Helnweins Bilder der letzten Jahre sind aggressiv und erhaben zugleich. Sie sind abstoßend und von einer verführerischen Schönheit. Sie feiern den Schmerz und die Wunde als Moment einer erhabenen Melancholie, sie zelebrieren das Pathos der Grausamkeit. Die Erhabenheit verdankt sich dem scharfen Wechsel zwischen den tiefen Schatten und hellen Zonen, die wie mit Scheinwerfern aus der Dunkelheit herausgeschnitten sind. Helnwein malt ruhige Zustände träumerischer Unwirklichkeit, die umso mehr beunruhigt, je weniger wir die Ursache der Gewalt und des Zwangs kennen.

述情障礙 在郝文最新出版的傳記《看－不要聽！ Look－Don't Listen！》中，作者史匹克（Oliver Spiecker）別開生面，用訪問的方式來導出郝文的人生經歷，讀者能直接透過郝文的說話來認識他的藝術。作者在書中第一章便為郝文“診症”，認定他患上述情障礙（Alexithymia）。據史匹克：“病患者有性格障碍，沒有能力去擁有感覺，而病人常會用痛楚來對抗它，像現今的年青人自我傷害身體（如用刀來刺痛自己）……”。作家都是妙筆生花，舞文弄墨，為了使文章增添色彩，畫蛇添足也未之有也。郝文有沒有患上述情障礙，書中再沒有提及，其實亦不重要，但這段對話中卻導出郝文的藝術的核心—痛楚。

Mit seinen „Disasters of war“, die eine eigene Enzyklopädie des Grauens entfalten, die er an der vermeintlichen Unschuld der Kinder zerschellen lässt, meinen eine zutiefst glaubhafte Bezugnahme auf Goyas gleichnamiges Radierepos. Die „Desastres de la guerra“, die der spanische Künstler zwischen 1810 und 1814 schuf, umfassen 82 unterschiedliche Blätter und sind somit fast genauso umfangreich wie die Caprichos. Goya bezieht sich seinerseits auf eine Tradition von Kriegsdarstellungen, in denen unmenschlichen Handelns gebrandmarkt wird. Goyas Bezugnahme, insbesondere auf den französischen Grafiker und Radierer Jacques Callots und dessen „Les grandes misère de la guerre“ von 1632, ist unübersehbar. Helnwein selbst hat bereits über 60 Varianten dieses Themas innerhalb seines Panoptikums von Kriegsszenerien geschaffen, wobei er nun die beiden Sujets – die unschuldigen Mädchen sowie die Historiographie der NS-Ära – zusammenführt und teils mit der Künstlichkeit der japanischen Comicsprache kombiniert. Wieder erzeugen die hyperrealistischen Darstellungen Momente des Glaubhaften und Realen, selbst dann noch, wenn sich das Hyperreale als reine Inszenierung entäußert.

Helnwein crede realmente che sia possibile cambiare il mondo. Nel suo lavoro la partita si gioca sullo scarto tra il significato incarnato dall’opera e l’inaccessibilità a un’azione che possa essere avvertita come risolutiva. L’arte di Helnwein ha il pessimismo degli esistenzialisti e lo Spirito dell’Utopia: tanto più dinanzi a ogni singolo lavoro saremo portati a chiederci chi è la vittima oggetto della rappresentazione tanto più prenderemo coscienza del fatto che quella vittima potrebbe essere una persona a noi vicina.

The most complete monograph realized about the Austrian painter, photographer, filmmaker, performer and set designer, born in Vienna in 1948. The works of Helnwein show the bare truth where society instead hides and removes. What emerges by leafing through the pages of this monograph is the obsession that accompanies the artistic career of this notable Austrian artist, marked by the wish to breakdown the rhetoric of war, the constructions of self-absolution, the mystifications of religious institutions in whose pitfalls men periodically fall as if they had not committed the same mistake over and over again.

Fascinated by the unlikely merging of the holy and the horrifying is Irish-Austrian artist Gottfried Helnwein, whose series of hyperrealist paintings Epiphany I (Adoration of the Magi), Epiphany II (Adoration of the Shepherds), Epiphany III ( Presentation at the Temple), undertaken between 1996 and 1998, collapsed conventional choreography associated with the Christian narratives in traditional old master paintings with the historical set design of German Nazism. Epiphany I uncomfortably restages the unmistakable postures of Medieval and Renaissance depictions of the Madonna and Child in the anachronistic context of late 1930s or early 1940s Germany.

Die Zurschaustellung des eigenen Körpers als Verwesungsmasse beginnt mit den Selbstporträts von George Grosz als Suizidgestalt im Kaffeehaus und reicht über die wie durch den Fleischwolf gedrehten Konterfeis eines Francis Bacon bis hin zur Leichenfledderei am eigenen Leib bei Günter Brus, Kurt Kren oder Frank Tovey, dem jüngst verstorbenen Enfant terrible der experimentellen New-Wave-Szene der 1980er Jahre. Die Befreiung des melancholischen Bewusstseins durch den Tod bietet keine philosophische Perspektive mehr. Es ist ihm ohnedies schon anheim gefallen. Stattdessen wird der Suizid in einer Performance masochistischer Selbstverstümmelung kultisch sublimiert. In einer fotografischen Inszenierung Gottfried Helnweins erhebt sich der Künstler, fäulnisschwarz und monumental wie das Mahnmal einer letzen Einsicht: “So ist Verzweiflung, diese Krankheit im Selbst, die Krankheit zum Tode. Der verzweifelte ist todkrank. Der Tod ist nicht das letzte der Krankheit, aber der Tod ist in einem fort das Letzte. Von dieser Krankheit erlöst zu werden durch den Tod ist eine Unmöglichkeit, denn die Krankheit und deren Qual und der Tod ist gerade, nicht sterben zu können.” So ist die Geschichte der Moderne nicht zuletzt auch eine Erfolgsgeschichte der Melancholie und des Eindringens ihres schwarzen Spuks in die letzten Paradiese des Seins- und Weltvertrauens.

Über die Jahre hinweg blieb das Kind in Helnweins Werk ein konstantes, geradezu obsessives Thema, das er variiert und weiterentwickelt hat. Er hat es in den unterschiedlichsten Medien verarbeitet – in seinen Aktionen und deren fotografischer Dokumentation, in der späteren Farbfotografie ebenso wie in seinen Arbeiten auf Papier, in der Malerei und selbst in seinen Bühnenbildern für Theaterinszenierungen.

GH: Vienna, the city I was born into right after the Second World War was a dreary place. The long shadows of the Third Reich were still cast over the city and the smell of death was in the air. I remember the empty streets, ruins of bombed houses, rust, rubble, no colors, no sound. There was a sense of despair. All the grown-ups I saw seemed silent, dark and broken. I never saw anybody laugh, I never heard anybody sing. It was a world that stood still, as if undecided yet if life should go on. What I didn't know then, was that my parents’ generation had recently lost two World Wars in a row and just completed the biggest genocide in history. The only art that I saw in my early childhood were 19th century paintings of tortured, blood-soaked martyrs and saints on the wall of cold churches were I spent a good time of my childhood. Until one day some PR-officers of the occupying American forces, God bless their hearts, thought it a good idea to bring some American culture, say Walt Disney's comic books, to us Nazi-kids in Germany and Austria to re-educate us. Especially the Donald Duck stories by the ingenious Disney artist Carl Barks hit us children like a comet and turned our world upside down. It was a culture shock. For me it was also an epiphany, a religious experience. Opening my first comic book was like leaving my parents’ yesterday-realm of death and darkness and stepping into a bright and infinite future. For the first time I experienced color and speed and the power of fantasy and imagination.

The obvious vulnerability of the subject makes this unusually unsettling imagery. That the scene is playacted is obvious. Based on a photograph staged by the artist, the subject of this watercolor and its details are theatrical inventions. The wrapping is ad hoc, the medical tubing ersatz, and the twine superfluous. Helnwein has successfully tapped into our deep aversion to damage to the flesh, made more acute by the subject’s youth. In one sense the bandaged head is an artifact of twentieth-century warfare, one that gained visual resonance through newsprint photography, which made the casualties of war graphic and real for the masses. In another sense, the bandaged, although not often bloodied invalid, is a visual trope, robbed of its graphic nature by having been reduced to a commonplace in cinema and television. What Helnwein succeeds in doing with Beautiful Victim I is to make us see afresh and react before we can safely square away the image.

Gottfried Helnwein's Epiphany (Adoration of the Magi) is a strange takeoff on a traditional New Testament theme in art. The work depicts a Madonnalike mother displaying her baby to attentive Nazi officers, Painted in hyperrealist grisaille with chiaroscuro effects, the work resembles an old documentary photograph made huge. The eerie, sinister overtones are unmistakable. Who is this mother? What do these officers want with her and her child? What kind of official paper might the officer on the left hold in his hand and what might be its result? Helnwein, characteristically, presents us with an ambiguous, haunting image and leaves us to wonder about its meaning. Helnwein's background perhaps helps explain why his often difficult subjects have been interpreted in various, often contradictory, ways by opposing sides of the political debate about World War II. With its huge size, hyperrealist style, and disturbing content, this unsettling work bestows a psychological anxiety accompanied by a strong magnetic pull. Confronting it, we tend to stare-entranced by both its beauty and its seductive, malevolent overtones.

Schon 1963 malten ein Künstlerkollege und ich uns die schaurige Zukunft eines freischaffenden Künstlers aus. Es ging bei dem Gespräch weniger um die Finanzen als um die Notwendigkeit des sich bis ins Tiefste Fallenlassenmüssens. Ich kam damals auf die Idee, so etwas wie ein »Konditionstraining für Genies« zu erfinden. Rückblickend muß ich sagen, daß ich ganz wenige Künstler kenne, die dieses imaginäre Trainingsprogramm durchgehalten haben. Einer von ihnen ist Gottfried HeInwein.

Ever since I clicked on it, Gottfried Helnwein’s "American Prayer" (2000) has taken up residency in my mind. I began to discover a semiotic richness in this painting worthy of what W.J.T. Mitchell has called a "metapicture" - a "picture that [is] used to show what a picture is". Mitchell situates the concept of metapicture in "'iconology', the study of the general field of images and their relation to discourse," thereby cutting across Greenbergian self-reflexivity into an expanded context that includes popular culture as well as contemporary art. In this wider cultural field, a metapicture does more than reflect on the nature of the picture itself and calls into question "the self-understanding of the observer". I will argue that "American Prayer" derives its theoretical relevance partly from its concealed hybridity, from the interplay between technological media and painting. In this work, the substitution of one medium by another reinforces the meaning that can be created from the iconographic substitution of the child by Pinocchio, and the replacement of the deity by Donald. In the end, Donald’s sideways glance at us indicates that this picture is really about us, the observers; it questions our own place in a cultural web of illusionism spun from the abiding human desire to overcome death.

Lo que quiero insinuar es que el humor, con todo lo trágico que conlleva, es la sustancia que corre por las venas del cosmos. Dios es una caricatura de lo divino. No­sotros, como los dioses, somos personajes de un cómic que los mitos relatan desde tiempos inmemoriales. Helnwein parece mostrarnos que la imagen es anterior al hombre y a los dioses. El humor es el hálito que circunda a la creación. La risa de los dioses resuena en los oídos de los niños cuando éstos deciden emprender sus juegos. Gottfried Helnwein se limita a jugar con ellos, como un niño más.

El arte es un ritual que pretende recordarnos eso que somos pero que hemos olvidado. Niños mexicanos, en toda su fragilidad y transfigurados por el proceso artístico, serán representados. La violencia existe, es algo que no puede soslayarse, cuando tratamos de negarla o le volteamos la cara para no verla, lo único que logramos es permitir que se propague como la peste. Esos niños, una vez captados por la cámara de Helnwein, quedan transformados, dejan de ser ellos mismos para devenir iconos. En cada imagen tendremos la oportunidad de detenernos para ver y así dejar de ignorar lo que es obvio y salta a la vista. Creando un equilibrio entre el vacío y la forma se muestran para mostrarnos “algo”. La representación es simulacro y en ese simulacro se puede ver más de lo que imaginamos. A nuestro paso, en los sótanos del Monumento a la Revolución y a lo largo de su explanada, iremos encontrando las imágenes de niños que en cada mirada nos dejarán intuir aquella unidad que se rompió en el origen, ilusión que debe permanecer en el mundo aunque sea como representación artística. “Los niños de México contienen en su rostro —dice Helnwein— todo el peso del tiempo…”, también contienen la historia, los mitos, todo eso que se ha callado pero que debe contarse, de nada sirve tratar de negar o dar la espalda a la belleza que estas imágenes representan, por eso miran así, porque guardan los secretos de la historia y las historias que jamás se contaron. Hoy vuelven a tomar un sitio. El sacrificio se ha realizado.

No todos somos Patomás pero algunos sí. Yo −lo sé− lo soy. Y Gottfried Helnwein no sólo lo es también, sino que encarna al personaje en tanto primus inter pares (y es que su don artístico habría de salvarlo de su destino perdedor). No miente cuando afirma que su obra trata de la corrupción de la inocencia −todos esos niños mutilados son también metáfora− ni cuando afirma que su agenda es justiciera, que lo que busca es señalar las iniquidades de este mundo, poner ese dedo posmoderno que es el ojo en la llaga siempre abierta que lastra a la realidad. Pero, Patomás al fin, el vengador clama en ese mismo acto venganza para sí mismo: para ese niño que nació donde no debía, en esa Viena de El tercer hombre que es el primero y el último, eterna e inescapable. Y al intentar vengar su triste destino intenta vengar el de todos, trata y falla −pero es noble su fracaso− de redimirnos, de salvarnos, de ayudarnos a huir de nosotros mismos a través de nosotros mismos. Lástima que nadie pueda arrancarnos de este vals, Mephisto Waltz acompasado y mareador al que hemos sido condenados. Doch sind wir alle Wiener?

Dans mon récit, j’ai l’intention de présenter des œuvres de Gottfried Helnwein dans lesquelles il aborde le sujet du nazisme. Cependant, même si le rapport au nazisme dans l’œuvre d’Helnwein est au cœur de ma propre curiosité, il n’est pas nécessairement au centre du travail de l’artiste. D’après ma compréhension, la référence au thème du nazisme dans l’œuvre d’Helnwein fait partie d’un contexte plus vaste de sa vision du monde, que je vais présenter. Si on ignore la totalité de son œuvre et si on se concentre uniquement sur ces nombreux travaux où il parle du nazisme, on risque d’avoir une vision partielle de plusieurs niveaux d’analyse qui sont inhérents à sa pensée. Je vais traiter non seulement les sujets qu’il a choisis d’aborder, mais aussi le contexte historique de sa création qui est aussi significatif en regard de ses choix. Pour des raisons de clarté et afin de mettre en relief mon intérêt personnel pour la représentation controversée du nazisme dans l’art contemporain, je vais traiter séparément les œuvres au sujet du nazisme, sans ignorer naturellement le contexte de leur création.

Si on essaie de comprendre la démarche artistique et critique d’Helnwein, il est nécessaire de prendre en considération ses autoportraits. Les autoportraits sont partis intégrale de sa carrière depuis le début, et forment une clé importante pour déchiffrer de son œuvre. “ L’artiste et son art ne font qu’un dans l’autoportrait. Ils s’expliquent, ils se répondent ”, comme l’a écrit Philippe Dagen. Si on ignore les nombreux autoportraits de Helnwein, on risque de laisser passer inaperçus les messages les plus profonds et capitaux que l’artiste transmet par son art.

Indifférence et reniement sont les mots clés dans une république qui se présente comme la “ première victime ” du nazisme. Lors de la Seconde République autrichienne on préfère ignorer et effacer la joie et l’acceptation du fameux “ Anschluss ”, l’annexion de l’Autriche à l’Allemagne en mars 1938, quand les troupes allemandes sont entrées en Autriche sans rencontrer aucune résistance. Le fait que Hitler ait été accueilli comme un libérateur par 200,000 personnes à Vienne est un détail réprimé dans un pays qui essaye de réhabiliter son prestige, son économie et son infrastructure. L’Autriche libre, démocratique et indépendante établit vite sa stabilité politique et même sa prospérité. Dans la Seconde République autrichienne, la liquidation du passé nazi n’est pas radicale : les anciens adhérents du parti nazi sont vite réintégrés dans la plupart des secteurs de la société.

..A clarity of vision in his subject matter was emerging in Helnwein's art that was to stay consistent throughout his career. His subject matter is the human condition. The metaphor for his art, although it included self-portraits, is dominated by the image of the child, but not the carefree innocent child of popular imagination. Helnwein instead created the profoundly disturbing yet compellingly provocative image of the wounded child. The child scarred physically and the child scarred emotionally from within. . "Children and lunatics cut the Gordian knot, which the poet spends his life patiently trying to untie." Jean Cocteau

Die Malerei ist tot. Es lebe die Malerei. Zu einem Triumph der Malerei gestaltete sich die brillant von Beate Reifenscheid inszenierte Ausstellung von Gottfried Helnwein im Ludwig Museum Koblenz.

Helnwein verbirgt eine mögliche seelische Aufgewühltheit oder Traumatisierung seiner Bildmodelle, die beispielsweise durch die schwarzen, faschistoid und fetischisiert zugleich wirkenden Uniformteile nahe gelegt werden könnte, hinter dem gesetzten Ausdruck seiner Kindergesichter. Wie Laokoon schreien diese wie aus Wachs gemeisselten, "schönen“ Kinder nicht mehr. Sie ertragen etwas, das nicht benannt wird und doch sichtbar wird. Sie kommunizieren in ihrer Intimität eine unauslotbare Abgründigkeit. Die Irritation des Betrachters entsteht daraus, diesem Geheimnis nicht auf die Spur kommen zu können. Die Wunde soll wach gehalten werden, und keiner soll sie heilen dürfen.

Gottfried Helnwein is one of the most important artists alive today. As Kenneth Baker has noted, the artist’s works not only “mirrors of dark times but counterthrusts to the aggressive reach of so much contemporary culture” (Baker, n.d.). The artist himself is fully aware of the political function of art and its importance in the age of the spectacle.

Let us take one of Helnwein's key images, "Epiphany 1 (Adoration of the Magi)", 1996 (mixed media on canvas, 210 x 333 cm). The figures of the officers in Nazi uniforms observing their leader are genuinely taken from an old photograph. Adolf Hitler is replaced by a seated figure of a young, distinctly Aryan blonde woman in a white dress, holding up with both hands upon her knee a standing, naked, strangely dark haired male infant, who in his face bears certain similarities to his predecessor in the original photograph. The figure of the Madonna, displaying her son to be honoured by the kneeling shepherds, is almost a literal paraphrasing of the painting entitled La Madonna del Rosario, finished by Michelangelo Merisi da Caravaggio in 1607.

Unidos los esfuerzos del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, del Gobierno del Distrito Federal —a través de su Secretaría de Desarrollo Urbano y Vivienda—, de la Galería Hilario Galguera, del Monumento a la Revolución Mexicana, Galería Cimentación y del Instituto Nacional de Bellas Artes —por medio del Museo Nacional de San Carlos—, es que ha sido posible que hoy sea realidad la curaduría de Susan Crow­ley, quien logró reunir 34 piezas colo­sales y 14 fotografías del maestro Gottfried Helnwein. El entusiasmo y entrega de un sueño acariciado por la curadora desde 1988, cuando por primera vez se topó con los rostros gigantes de niños en Colonia, Alemania, y quiso traerlos a México, presentarlos ante la sociedad mexicana, finalmente se ha logrado tras veinticuatro años.

Gottfried Helnwein zählt zu den bekanntesten, aber auch zu den umstrittensten und bis heute häufig kontrovers diskutierten deutschsprachigen Künstlern unserer Zeit. Seine hyperrealistischen Bilder zeigen oft unschuldige, verwundete, bandagierte Kinder, Opfer von Gewalt und Missbrauch. Sie stehen im Zentrum seines OEuvres und machen Helnwein, ebenso wie seine Selbstportraits, weltbekannt. Er greift gesellschaftliche Tabuthemen auf, seine Bilder handeln von Schmerz, Verletzung und Gewalt, auch vom Nationalsozialismus. Mit ihren inhaltlichen Gegensätzen und ihrer Ambivalenz von Schönheit und Gewalt elektrisieren seine Bilder den Betrachter und werden gleichsam zu eindringlichen Mahnmalen unserer Gesellschaft.

Aceptemos pues que Minera acierta al cuestionar la “nostalgia” de los jóvenes, pero no al hablar del no querer ver al “futuro” pues lo que ella llama ver al “futuro” es una opción de herramientas que el artista puede o no aceptar en la búsqueda de un arte que hable de su propia actualidad. Igual de obsoletos son cientos de performance que cuestionables los intentos hiperrealistas de llevar la técnica al extremo sin valores conceptuales, pero como se puede negar los avances de artistas que se entienden a sí mismos como integrales, usando herramientas del conceptualismo y poniéndolas al servicio de la pintura y viceversa, ahí se tiene a Bill Viola bebiendo no solo de una tradición religiosa sino de una estética pictórica, pero quién niega que Gottfried Helnwein ha alcanzado, en la pintura realista un espacio donde lo conceptual y la técnica hacen un equilibrio en obras de múltiples lecturas, que funcionan además como una crónica de nuestro tiempo. Bacon y Freud nunca fueron descalificados, prueban ambos que la búsqueda plástica no ha terminado y corresponde a la complejidad del pintor la complejidad de la obra, y a un equilibrio con su técnica la elaboración de poderosas respuestas plásticas a cuestionamientos contemporáneos. ¿Daría lo mismo que fueran una fotografía?

Kein anderer österreichischer Künstler nach 1945 beschäftigt sich über Jahrzehnte derart intensiv, eindringlich und nachdrücklich mit dem Thema Kindheit, Kinder, Krieg, Gewalt und Zerstörung wie Gottfried Helnwein.

November 30, 2010 – Sacramento, Calif. – The Crocker Art Museum will present a survey of the work of artist Gottfried Helnwein in the new exhibition "Gottfried Helnwein: Inferno of the Innocents," on view from January 29 through April 24, 2011. Organized by the Crocker, the exhibition features 70 major paintings and photographs from throughout Helnwein's career. Highlights include his iconic portraits of performer Marilyn Manson, works from his major recurring theme, "The Child," and his most recent series, "Disasters of War." "Inferno of the Innocents" is the first museum exhibition to examine Helnwein—who has been based in Los Angeles part-time for nearly 10 years—as a California artist.

Kdybych měl jedním slovem charakterizovat práci rakouského malíře Gottfrieda Helnweina, stačila by mi na to pouhá tři písmena – ZLO. Zlo ve všech možných jeho podobách a tvarech. Zlo, které je současně odpuzující i přitažlivé, každodenní, samozřejmé, přirozené … „takzvané zlo“. Přestože je Helnwein především malířem, lze v jeho rané tvorbě vysledovat silný vliv tzv. Vídeňského akcionismu – uměleckého hnutí, které sdružovalo performery, fotografy a filmaře a jež se ve svých projevech zabývalo hojně tématy sexu a násilí (Schwarzkogler, Nitzch, Brus, Kren). Dá se říci, že Helnwein přenesl antiumělecké brutální akcionistické propriety nazpět do sféry konzervativněji posazeného umění a také uměleckého trhu (potenciál komodifikovatelnosti olejomalby pochopitelně značně přesahuje komerční možnosti performance).

Although the majority of Gottfried Helnwein’s paintings from the past two decades take the solitary faces of young girls as their subjects, many others are groupings of multiple figures that use the conventions of Baroque and Mannerist pictorial composition to suggest or outrightly posit a dramatic confrontation between innocence and evil. Never is it made clear which will survive, and this ambiguity is exactly what makes Helnwein’s figure groupings disturbing, fascinating and compelling, simply because they give the viewer little choice but to complete the outcome of that confrontation in his or her own imagination. Moreover, they also remind the viewer that such a confrontation always exists, regardless of whatever ideological mask its participants may chose to wear. In these paintings, no state of blamelessness goes unmolested, even when the molesters claim to have nothing but the best of intentions.

TOP 10 The Gottfried Helnwein exhibition "The Child" at the Palace of the Legion of Honor (San Francisco Fine Arts Museums, July) was chosen as the most important show of a contemporary artist in 2004. "In the first of two shows (the other at the Modernism Gallery in November), Helnwein's large format, photo-realist images of children of various demeanors boldly probed the subconscious. Innocence, sexuality, victimization and haunting self-possession surge and flicker in Helnwein's unnerving work."

Her lips are parted and colored a luscious deep red. The pancake makeup on her face gives off a marble-white glow. A jacket, adorned with braided gold epaulets at the shoulders, yawns open, exposing a wide expanse of skin down her chest. She appears to be about 8 years old. There was a time, not so long ago, when the subject of Gottfried Helnwein's new, large-format digital prints at San Francisco's Modernism Gallery might have alarmed or even scandalized a viewer. Not anymore -- or at least not so reflexively... Adults bring a trunkful of contradictory cultural baggage to any representations of children. That's what makes the work of Helnwein so powerful. In his show, "The Child," at the Legion of Honor, deformed infants and bandaged children stir feelings of pity, defiance and uneasiness about exploitation. There's an ambiguously disturbing painting of a girl aiming a gun into an open refrigerator and another of a bare-breasted mother and child surrounded by Aryan soldiers. But the most haunting images, here and across town at Modernism, may be the ones of children who seem strangely oblivious to the adult gaze. Some of Helnwein's children peer right past the onlooker. Others sleep, dreaming of anything but us behind their silky eyelids. And some, like the enormous, half- shadowed "Head of a Child" at the Legion, see straight through us with cloudless, infinite blue eyes.

Well, the world is a haunted house, and Helnwein at times is our tour guide through it. I think in anything that is really relevant and emotional art, there is some kind of a mirror that people experience. I don't think that you can recognize a feeling from something that you look at unless it's part of yourself, and so when someone is willing to take on the sadness, the irony, the ugliness and the beauty in the kind of way that Gottfried Helnwein does.

A highly satisfying survey of his work at the Legion of Honor museum titled "The Child" was dominated by images of children, as was a current exhibition of his more recent work at Modernism.

Two years after Beuy's death the Viennese artist Gottfried Helnwein created a striking and odd image bringing Breker and Beuys together. Helnwein posed the eighty-eight-year old Breker unconfortably holding Helnwein's portrait of Beuys in front of his chest. The older man with furrowed brow directs the glossy, skeletal image of Beuys-like an icon painting-away from his own gaze and toward that of the viewer.

“All a poet can do today is warn”, World War 1 soldier poet, Wilfred Owen, wrote in a draft Preface for a book of anti-war poems he would never see published. He was killed on the eve of Armistice Day 1918. World War One, The Great War, The War to End All Wars . . . within twenty summers, Europe was engulfed again in the even greater catastrophies of the fascist era. The work of Gottfried Helnwein has its genesis in these years. They obsess him as a creative artist. As a kind of guardian angel, he grapples with them on our behalf. That such a nightmare would never visit us again. Or our children. Or our children’s children. Or “. . .all those still to come”.

For Helnwein, the child is the symbol of innocence, but also of innocence betrayed. In today’s world, the malevolent forces of war, poverty, and sexual exploitation and the numbing, predatory influence of modern media assault the virtue of children. Robert Flynn Johnson, the curator in charge of the Achenbach Foundation for Graphic Arts, has assembled a thought-provoking selection of Helnwein’s works and provided an insightful essay on his art in this exhibition catalogue. Helnwein’s work concerning the child includes paintings, drawings, and photographs, and it ranges from subtle inscrutability to scenes of stark brutality. Of course, brutal scenes—witness The Massacre of the Innocents—have been important and regularly visited motifs in the history of art. What makes Helnwein’s art significant is its ability to make us reflect emotionally and intellectually on the very expressive subjects he chooses. Many people feel that museums should be a refuge in which to experience quiet beauty divorced from the coarseness of the world. This notion sells short the purposes of art, the function of museums, and the intellectual curiosity of the public. The Child: Works by Gottfried Helnwein will inspire and enlighten many; it is also sure to upset some. It is not only the right but the responsibility of the museum to present art that deals with important and sometimes controversial topics in our society.

The cover for Giroux’s 2nd edition features another of the brilliant artworks by the Viennese artist Gottfried Helnwein (Aktion Sorgenkind). Featuring a blinded child on a rundown street, her hands are tied by a ribbon that reach beyond the page. This image is perfect for a text that spans nearly half a century of critical effort. This unseeing child is the counterpoint to the blinded Oedipus who also shaped by the rubble of his times, knew his fate and had it mapped out in advance. The ambiguity to the image is striking. Should we look upon it from the Western gaze, invariably we would scan from left to right, hence witnessing the child present yet puppeteered by a force that is invisible and beyond the pale.

Both Helnwein and Jeff Koons work in a wide variety of media—frequently on a large scale—and incorporate elements of pop culture and sexuality. But whereas Koons rejects hidden meaning and embraces the superficial “kitsch” element, Helnwein reappropriates these symbols as a means of enhancing his message. Symbols of innocence take on a decidedly sinister air—in Helnwein’s “Los Caprichos” painting installation, a maniacally grinning plastic Mickey Mouse looms over a series of canvases depicting maimed and vulnerable children. Yet Helnwein’s work comes across as more a statement about general victimization of the young and loss of innocence rather than purely a jab at pop culture. Both Koons and Helnwein have produced multiple self-portraits, but they are also drastically different in tone. Koons’ self-portraits glorify the artist in an excessively heroic manner that verges on the ironic, flawlessly groomed and surrounded by attractive women and/or the trappings of success. Helnwein’s self-portraits, on the other hand, depict the artist as a bandaged, disfigured, sub-human figure, often splattered with pigment and displaying all manner of expressions of pain and worry. Both artists indulge in a certain narcissism, but the effect is utterly different. This contrast highlights the basic difference between the two artists: Koons is content to revel in the decadent and superficial, while Helnwein is obsessed with physical and psychological anxieties.

V zrcadlovkách a s šátkem kolem hlavy připomíná Helnwein - výtvarník, performer a také majitel starého irského hradu, kde si celebrity podávají kliku - nějakou zazobanou rockovou star. Jeho temné a provokativní obrazy lákají média i nejširší veřejnost jako můry černé světlo za bílého dne. Výstava potrvá do konce srpna. Uvnitř ukázky.

Nereflektovaná minulost, jež nepřetržitě prorůstá do současnosti a způsobuje úzkost, je Helnweinovým hlavním tématem. Expozice jeho hyperrealistické, za fotografii lehko zaměnitelné malby i fotografií pokračuje v dramaturgické psychologizující linii výstav Galerie Rudolfinum. Gottfried HelnweinHelnweinova tvorba má i silný politický přesah. Malíř se počátkem 70. let zařadil mezi vídeňské akcionisty, kteří kritizovali rakouskou kolektivní amnézii ve vztahu k fašistické minulosti země. Hnutí nezávislých politicky angažovaných umělců se snažila státní moc potlačit, revoltující akcionisty třeba na čas uvěznila či v krajním případě vyhnala do exilu. Při performancích akcionistů tenkrát třeba tekla krev a po zemi se válely vnitřnosti. Dnes je vídeňský akcionismus nejznámějším ryze rakouským avantgardním uměleckým směrem.

Gottfried Helnwein's classic yet unnerving images transform sentimental representations of childhood into portraits of individual subjects frozen at the moment of suffering. His photo-paintings pirouette on the fine line between chocolate box pictures/excessive sentimentality and the cost to children of being treated as commodities, of suffering emotional or physical pain at a grown-up's hands. High pictorial and technical values create compositions that recall contemporary cinema and seventeenth-century painting, expanding the treatment of time into epic. This apparent grandiosity plays against the immediacy of each suffering subject, underlining the different experience of time in childhood. Small hurts can devastate when you're a child. Big hurts stay with you for years, as survivors of Hitler's Anschluss testify. Now, in the age of virtual use and abuse of children, Helnwein's insistence on valuing the humanity and charm of the littlest, the least powerful, offers a counterpoint to claims that suffering counts most when you're grown-up. It opens his practice into a series of pictorial mise-en-scènes, as did Rembrandt's tableaux in The Blinding of Samson (1636) or The Night Watch (1642).

El nuevo arte del dolor, con esta pretensión provoca una serie de experiencias catárticas que permiten hacer una traducción personal de lo que quiere decir, porque a partir de esta provoca en el espectador una sensación que muchas veces es identificada por cualquier hombre que contemple sus obras. Una simple manifestación artística que permite hacer de una sola imagen algo que sea comprendido por la mayoría. El llanto de un niño es un símbolo universal en el que su comprensión no necesita de idiomas, ni idiosincrasias, es por eso que el arte de Helnwein legitima esta experiencia, porque de entrada el centrarse en el ser humano mantiene una sola lectura; la del ser humano; cualquier dolor y sensación es conocida sin tenerla que haberla vivido. La obra de este artista mantiene siempre la intención de provocar miedos, deseos, dolor y felicidad con la intención de nunca revelar respuestas, sino que siempre formulará preguntas que hagan al ser humano detenerse y observar para entender: ¿Cómo hemos llegado a esto? ¿Por qué lo seguimos permitiendo?

Gottfried Helnwein (ur. 8 października 1948 roku w Wiedniu) - artysta pochodzenia austriacko-irlandzkiego. Uprawia kilka gałęzi sztuk, od tradycyjnego malarstwa, poprzez fotografię a po perfomance. Helnwein studiował malarstwo na Akademii Sztuk Pięknych w Wiedniu (Academy of Fine Arts Vienna; Akademie der Bildenden Künste, Wien). Skończył z wyrónieniem (the Master-class prize); otrzymał równie nagrody Kardinal-König prize oraz Theodor-Körner prize. Jego wczesne prace to przede wszystkim hiper-realistyczne akwarele przedstawiające okaleczone dzieci; motyw ten był często wykorzystywany równie w licznych perfomances w miejscach publicznych. Helnwein jest konceptualnym artystą; koncentruje się przede wszystkim na psychologicznych i socjologicznych aspektach niepokoju i lęku wśród społeczeństwa, które te z kolei wywodzą się z historycznych wydarzeń i politycznych dyskusji. W rezultacie jego prace często są postrzegane jako prowokacyjne i kontrowersyjne.

Cindy Sherman und Gottfried Helnwein Selbstbildnisse können zweifelsohne in die Porträtform „ästhetisches Selbstbildniss mit politischer Aussage“ kategoriert werden. Betrachtet man ihre Werke jedoch im Vergleich, z.B. Hinsichtlich der gestalterischen Mittel oder der Art der Inszenierung, so lassen sich, neben einigen weiteren Gemeinsamkeiten, viele Unterschiede der beiden Künstler feststellen

The facade of Disney and America in the guise of the Mouse is one of the things that Helnwein and others present to us. Claes Oldenburg took the facade to its literal extreme when he proposed a flat Mouse's image for a facade to Chicago's Museum of Contemporary Art, and produced a flat Mouse sculpture. Helnwein, Oldenburg and others are using the Mouse to make social and cultural comments about our society, in the broadest sense, but with humor.

Un rientro in Austria, dopo un volontario esilio. Sembra che ad averlo trascinato da queste parti sia stata la corrente del Danubio, giacché l’approdo è avvenuto sulla riva di questo fiume. Dove spicca un museo... Lentos ha fatto, e fa, parlare di sé. È il nome della nuova sede del museo d’arte contemporanea di Linz, ricca e famosa città danubiana. Lentos è un grande edificio dalla forma di parallelepipedo con epidermide di vetro, che dal tramonto all’alba cambia colore in continuazione. Ha la vocazione cromatica del camaleonte, ma non per mimetizzarsi, anzi tutto il contrario. In effetti anche le mostre che propone hanno la seduzione del richiamo impetuoso e un taglio particolarmente penetrante. Come quella in corso, per esempio: sfacciata, perturbante, provocatoria fino all’insostenibilità. È tutta così l’opera di Gottfried Helnweil (Vienna, 1948): le sue armi pittoriche sono fin troppo figurative, il suo linguaggio più che realistico, le sue trame sempre inquietanti. Face It, titolo della mostra, è una retrospettiva e una mostra tematica nello stesso tempo, dove il viso umano è soggetto e leitmotiv.

"She is not as old as she seems, though age, at least in her case, is an elusive notion. In fact, it is her childhood that is fixated, and not out of nostalgia. True, it would take a daring leap of imagination to connect pudgy little hands to the body as it is now, or to visualize the dimples and the baby teeth. The little-girl-who-once-was thought: Maybe I am really dead. Because only dead people get pushed so deep down". (From: And the Rat Laughed, by Nava Semel). Helnwein is a great believer in the ability of art to pass emotional memory on, as a reminder of the past or mainly as a warning of what the future might hold, for humanity, as far as he is concerned, has not learnt its lesson. Is there atonement in his artistic endeavors? I prefer the Jewish concept of - tikkun, purification of the soul. It has a deeper meaning than the physical healing of scars, for it elevates us to the highest sphere of the spirit. The wounded girls close their eyes, but they are not blind. Behind their closed lids their gaze is clear and penetrating.

The production of the Disney studios quickly attracted artists, especially from the movie world. Eisenstein and Prokofiev, when they were working on Ivan the Terrible (1945), took an interest in the work of Disney and the conductor Léopold Stokowski on Fantasia. By the mid-sixties Disney enjoyed immense, universal popularity. Since the release of Snow White in 1937, several generations have been raised on his films and have not forgotten them. Pop Art made Mickey and Donald into icons. As the French painter Robert Combas put it in 1977: “Mickey is no longer Walt’s property, he belongs to us all”. After drawing on Western art from all periods, Disney’s world became in its turn a source of inspiration for artists as diverse as Christian Boltanski, Gottfried Helnwein, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Bertrand Lavier, Peter Saul and Gary Baseman.

Continuando la perspectiva del ritual, Günter Brus, Rudolf Schwarzkogler, Yoko Ono, Saburó Murakami, Atsuko Tanaka, Gottfried Helnwein, Ushio Shinohara, Peter Wiebel, Otto Muehl, Stelarc (en su etapa inicial de Suspension), entre otros, proponen la exposición de un hecho que sucede en tiempo real y que supera la noción de ficcionalidad o emulación.

この本を読んで何年もたってから、まさにこの女の子に偶然出会ったときは、言いようのない驚きで頭の中が混乱した。『写真都市』（伊藤俊治著）という本で偶然に見つけたのだ。ゴットリープ・ヘルンバインGottfried Helnwein(1948-)というオーストリア生まれのアーティストによるBeautiful Victim II という1974年の作品。

Help us find visual, aural, metaphors that will let others understand the importance of engagement in this process. Look at Helnwein's painting under Visual Sociology. I left it up. What was Helnwein saying? Why was he willing to offend. Why do Beau and Michael want to shake us up? How are those things related? Why did one of my students make a giant box that when opened had a lovely smiling face inside that said "F^&* the Patriot Act"?? Isn't that a lot like what Helnwein and Kiefer and Beuys were doing? Maybe saying "wake up and look at what you're doing?"

A virtuoso and a visionary with one eye behind the veil of the world, the other reflecting endless horror, beauty, loss, humour and melancholy - all with a steady hand. The position is supreme, the means are penetrating and the message as deep as it gets. To me the strange silent directness in Helnweins work is unrivaled, no other artist today tells the dim story of the world in a more disturbing and moving way. His work, views and perspectives are completely congruent and appeals to me in a very direct and personal way.

Современное искусство прибавило к традиционным техникам новые способы эстетического самовыражения: аналоговые — кино и фотографию, электронные — цифровое фото/видео и персональный компьютер. Приятие новых творческих средств занимает все меньше времени: в случае с фотографией для этого понадобилось почти сто лет, с кино — двадцать, а с цифровой техникой — менее десяти. Ведь технологии не убивают искусство, но расширяют пределы творческой свободы.

After further examining his work on my computer, I left . . . heart racing several beats faster, fingers tingling. Helnwein reminded me how to feel. It was like the first time I saw a Fellini film or slipped into Tom Ford attire. There was a sense of confidence instilled, a confidence in being human, the confidence to find power through mistake, the confidence to admit to cease yearning for perfection. Rather, redefining perfection to the state of recognizing my humanity, my possibility.

Toda la obra de Helnwein presenta originalidad. Esta es una de las características que hacen que lo podamos definir como verdadero artista; no sólo porque se ha podido apoderar de la técnica a tal punto que pareciera que le pertenece, sino porque además se ha propuesto descubrir y experimentar con distintos soportes y técnicas nuevas. En cada pieza podemos ver la reflexión que plantea sobre lo humano visto por medio del dolor y el sufrimiento; intentando hablar por medio de lo visual lo que los escritores y filósofos plantearon sobre lo utópica que es la sociedad; desmitifica los valores religiosos y cuestiona la moral.

Opfer erfahren hier eine spektakuläre Inszenierung und Würdigung. Ihre Ohnmacht und Verlorenheit rührt - wenn wir entsprechende Gefühle in uns anklingen lassen und nicht die eigenen Schmerzen verleugnen. Ich erlebe die Kinder in Helnweins Bildern weniger als real körperlich deformiert. Mir scheint, der Künstler hat nur die Tarnkappen der physischen Hülle abgerissen und unsere "ganz alltägliche" seelische Verstümmelung sichtbar gemacht.

Mag in der Insistenz und Extensität der Produktion Rainers Werk herausragen, die Abwendung von der Anthropologie, die als Negation doch auch mit ihr verknüpft ist, durchzieht die Kunst seit der Mitte des 20. Jahrhunderts. Zum Bestand der kanonisierten Kunst gehören mittlerweile die fotografisch dokumentierten Body-Perfomances der 60er und 70er Jahre (z.B. Bruce Naumann, Jürgen Klauke, Klaus Rinke), die Selbstporträts Gottfried Helnweins der 70er und 80er Jahre, die Video-Dummies von Tony Oursler.

"Beautiful Children“ ist die Ausstellung überschrieben, die Werke und Photographien des gebürtigen Österreichers Gottfried Helnwein bis zum 12. Juni 2005 im Wilhelm Busch Museum Hannover zeigte. Und von vorneherein drängt sich die Frage auf, ob dieser Ort, idyllisch inmitten des Georgengartens gelegen, der richtige Ort sei für den Meister des Überdimensionalen, der großen Installationen. Doch bereits der Blick in den ersten Ausstellungsraum nimmt diese Befürchtung. Es müssen nicht die ganz großen Dimensionen sein, die in ihren Bann ziehen, es ist die Macht der Mischtechnik auf Leinwand, die unabhängig von ihrer Größe fesselt und fasziniert. Zu Beginn das größte Werk der Ausstellung, 2x4 Meter, ein Mädchengesicht mit geschlossenen Augen: „Beautiful Children“. Der Titel der Ausstellung wird zum Programm. Gegenüber das wohl schönste Werk, der Kuss zweier Nymphen. Nicht lasziv oder aufreizend, sinnlich eher, tastend. Die ungetrübte Unschuld des Kindes, seine Unbeschwertheit und Freiheit hat Helnwein wohl nie besser dargestellt als in diesen beiden Werken.

...Bei diesem ersten Besuch habe ich erkannt, dass dieses nur ein Teil von einem Versuch ist, ein Gesamtkunstwerk als Künstler zu schaffen, das nichts ausblendet, nicht die Schönheit der Welt, von Landschaften, von menschlichen Gesichtern, von der Offenheit und Reinheit menschlicher Wesen, bis zum Zauber der selbst von Kindern ausgehen kann, die Gottfried Helnwein immer „diese zarten Geschöpfe“ nennt. Immer ist es eine Art von Vorsicht und außerordentlich großer Sensibilität, die gleichzeitig gekoppelt und kontrastiert wird mit diesem unglaublich intensiven Ausdruck von Schmerz, Verletzung, Zerstörung, Bedrohung, Alptraum, Nachtgesichtern, und Traumfantasie. Diese Mischung, das ist Gottfried Helnwein, er war nie nur das eine. Dass er bei dem Allem auch außerordentlich politisch ist, das möchte ich gerade bei so vielen Künstlern, die heute ein Programm der reinen Spaßkultur verkörpern, audrücklich lobend erwähnen. Dass es jemanden gibt, der sich als politisches Wesen in seinen Bildern äußert und damit auch politische Wirkungen erzeugt. Die Gegenstände dieser Kunst sind nicht besonders einfache , schöne, gefällige. Sie haben sehr viel Heftigkeit in den Reaktionen erzeugt. Das gehört dazu, wenn man ein politischer Künstler ist. Wer gefällt der lügt. Das größte Verbrechen eines Künstlers ist, wenn er sich der Lüge, der Gefälligkeit aussetzen würde.

The thing you should know about this "Rosenkavalier" is that it is terrific. Richard Strauss' opera sounds great and looks sensational. It is excellently sung, sumptuously conducted by Kent Nagano and, thanks to Gottfried Helnwein, wondrously strange. Helnwein — the Austrian artist (painter, photographer, performance artist, filmmaker) who has a studio in downtown L.A. — is known for everything from Marilyn Manson videos to Holocaust installations. He is responsible for the sets, costumes and that ad (which, by the way, looks like an image from a recent staging of a Schumann oratorio that Helnwein designed in Düsseldorf). Helnwein's vision of "Rosenkavalier" is monochromatic and a riot of color. It is oddly traditional yet seriously odd. It is updated but couldn't be more 18th century. And none of those opposites contradicts.

Sorry - thats wrong. The film shown was Robert Wiene's "Der Rosenkavalier"(1925) created in collaboration with Hugo von Hofmannsthal and Richard Strauss who wrote the musik for the film (Op. 59) The set and costumes were created by Alfred Roller who was in charge of the sets and costumes for all the Strauss opera-premières in Vienna. The rushing troop penetrating through the stone arch are soldiers of the Marshall (- the Marshallin's husband) - But it's true that Robert Wiene also created "Das Cabinet des Dr. Caligari"(1920) for which he became famous. (the website editor).

Gottfried Helnwein arouses creative tumult. - Los Angeles Times

Eins zeigt ein Mädchen mit frechem Gesicht und Blindenband um den Arm, das die Zunge herausstreckt. Erst habe ich gelächelt. Wer den Blick länger verharren lässt, sieht, dass dem Mädchen Blut zwischen den Beinen herunterläuft. Es wurde ganz offensichtlich missbraucht, ihm wurde Gewalt angetan.... Ja, Kinder sind verletzbar. Kindheit kann grausam sein, wenn Kinder ausgeliefert sind. Ich denke an sexuellen Missbrauch, eine unglaublich Form von Folter an Menschen, die lebenslang an dem Trauma leiden werden. Ich denke an Kindersoldaten in Togo, im Kongo, im Sudan. Zerstörte Leben, brutal geopfert für idiotische Machtkämpfe, in denen Zerstörung das oberste Gebot ist, in denen es keine Ziele mehr gibt. Ich denke an Kinder in Indien, die schuften schon mit fünf Jahren um ein paar Münzen zu verdienen, damit ihre Familie überleben kann. Ich denke an die 12-jährigen Judith Wischnajatskaja, die im Juli 1942 in ihrem letzten Brief schrieb: “Lieber Vater! Vor dem Tod nehme ich Abschied von Dir. Wir möchten so gerne leben, doch man lässt uns nicht, wir werden umkommen. Ich habe solche Angst vor diesem Tod, denn die kleinen Kinder werden lebendig in die Grube geworfen.“

Gottfried Helnwein has been described as an artist that has committed himself to reminding the world of the Holocaust. Children are a recurring theme in his work; the strong/weak hierarchy makes them a ready metaphor for the victims of evil. Stripped one by one of their privileges, rights, sustenance, and finally their bodily integrity, the Nazi’s victims were subjected to what Christopher Bollas has called ‘a radical and catastrophic infantilization.’ I first became aware of Helnwein’s work in 2001 when he exhibited at the Kilkenny Arts Festival in Ireland. Large scale portraits of local children and photographs of his paintings conflating Nazi and religious imagery were hung on buildings around the city. I was particularly interested in the intense debate that arose around the installation of the pictures. City Council members objected to the hanging of work on City Hall, the public sent letters of complaint to local newspapers and called in to the local radio station in protest. During the exhibition two of the works were vandalised. Helnwein has maintained that it is important to see a reaction to his work. In February I travelled to Bonn, Germany and met with Helnwein to discuss how, through placing his work in the public realm, he attempts to keep Holocaust memory alive by instigating a dialogue. His subject matter is the repression of the greatest trauma of our century - National Socialism, people’s complicity in it, and its consequences.

Marie Antoinette, for example, was obsessed with the idea of pretending to be a simple innocent peasant girl. Her husband built her an entire life-sized fantasy farmhouse and mill with sheep, shepherds and all - and an idealistic landscape shaped around it. Dressed in theatrical shepherdess attire, she could now play "innocent country folk" with her girlfriends.

„Ein göttlich Wesen ist das Kind, solang es nicht in die Chamäleonsfarbe der Menschen getaucht ist. Es ist ganz, was es ist, und darum ist es so schön. Der Zwang des Gesetzes und des Schicksals betastet es nicht; im Kind ist Freiheit allein. In ihm ist Frieden; es ist noch mit sich selber nicht zerfallen“ Friedrich Hölderlin Immer wieder waren es Gleichgültigkeit und Teilnahmslosigkeit der Menschen, die Helnwein zu künstlerischen Aktionen bewegt haben. So führte er in den 70er Jahren Straßenaktionen durch, in denen er Kinder bandagierte und mit chirurgischen Klammern versehen auf die Straße legte. Für die Kinder war es eine Art Spiel; für Helnwein der Versuch, „immer wieder in den Alltag – der so genormt abläuft – Störfaktoren einzubringen, um zu sehen, wie die Leute reagieren.“

In fact Gottfried Helnwein made his name by spectacular performances, among them are self mutilations or simulacra of violence inflicted on himself. The violence is often concentrated on the eyes. The artist takes to bandaging the head which deprives the individual of all visual relations with the outside world. An obvious paradox on the part of an artist's whole life and work is closely linked with sight, to apply himself to representing, in various forms, impediments and problems of sight. Undoubtedly the scope of his projects is not limited to the sole artistic domain. His art also takes on an obvious historic dimension. Like a good number of artists of his generation, those born after the war, be they writers, painters, film makers or photographers, Gottfried Helnwein feels intense guilt at belonging to a part of Europe with such an unbearable past.

Helnwein’s subject matter involves the complexities of the human condition. His disturbing yet provocative images of physically and emotionally wounded children have been seen as metaphors for larger global issues. He portrays the innocence of adolescence against the backdrop of shameful historical events like the Holocaust to highlight the fragility of humanity in an unstable world. Like Wong from Asia and Sherman from the United States, Helnwein offers up dramatic scenarios featuring youthful protagonists that beg a viewer to complete the equation. The child’s face – painted in a realistic style yet eerily unreal – may allude to the uncertain (in limbo-like) quality of Helnwein’s own childhood. Helnwein is among a network of contemporary artists expressing visions that embrace and also transcend cultural nomenclature.

Gottfried Helnwein przedsatwiający fotografie Andiego Worhola, Michaela Jacksona, interesował się także pokazywaniem aktów przemocy i jej odbiorem przez obojętne audytorium jak w "Ostatniej wieczerzy", należał w Wiedniu do grupy, która w latach 60-tych eksplorowała temat przemocy w sztuce, działając też na polu performance.

Mit dem im April 1993 eröffneten Hochhauskomplex von Kohn/Petersen/Fox in der Frankfurter Westendstraße, der längst einen unverwechselbaren Platz in der Skyline einnimmt, verfügt die DZ BANK über ein modernes Dienstleistungszentrum. Wie schon Claes Oldenburgs und Coosje van Bruggens Krawatte - "Inverted Collar and Tie",1994 - auf dem Vorplatz deutlich macht, versteht das Institut Kunst als Element der Unternehmenskultur. So wurde seit dieser Zeit eine "corporate collection" aufgebaut, die mit über 5.000 Exponaten zu einer der größten und angesehensten ihrer Art zählt.

For the portraits in Sehnsucht, the Austrian artist Gottfried Helnwein photographed the musicians in facial bandages, their lips and eyes stretched wide apart by hideous medical instruments. There is an echo of Trakl, again, in these “cold metal straps.” But it is unreasonable, the musicians protest, to think that images such as this might evoke obscene historical memories. “It’s just reverse discrimination because we are German,” says Lorenz. “If we were Spanish or Dutch, there would be no problem.”

Der Schrei im Selbstbildnis als Gesellschaftskritik - Wohl kein autoporträtatives Schaffen ist in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts derart mit einer expressiven Gesellschaftskritik, mit einer Anklage verbunden, wie das von Gottfried Helnwein. Der Künstler macht sich um einer schonungslosen Aussage willen zum schreienden, zum stellvertretend leidenden Objekt seiner Bilder: „Ich will mit meinen Bildern und Aktionen die Menschen aus ihrer Eingefrorenheit lösen, wenn auch nur eine Sekunde lang, will sie verunsichern und zu spontanen Reaktionen hinreißen. Verunsichern, aber nicht destruktiv. Die logische Denkfähigkeit soll zugunsten totaler Selbstöffnung kurz trocken gelegt werden“, stellte der österreichische Maler, Grafiker und Aktionskünstler Gottfried Helnwein zur Intention seines Werkes fest.

Dance icon Gregor Seyffert, and Gottfried Helnwein, internationally renowned artist and stage designer, came up with a highly intelligent concept for the oratorio, which relied heavily on dance, but also comprised whatever means a modern, multimedia stage design might offer. Consequently, the audience’s eyes almost popped out of their heads. With all the media activities, one might almost forget the enchanting, beautiful music, and singing. Storming, unceasing applause by an enthusiastic Düsseldorf audience for an evening which is unlikely to be easily forgotten. This was an example of lively music theatre, which, unchallenged, not only stole the glory of Deutsche Oper am Rhein, which presently enjoys a period of profound hibernation, but proved that Düsseldorf may well offer first class art. Why not more often? (Peter Bilsing)

Gottfried Helnwein’s first one-man exhibition at a major American museum is long overdue. 35 years in the making, “The Child” is a collection of more than fifty drawings, watercolors, photographs, and paintings (several monumental in size). It’s also a show that shocks, and among the crowds thronging to see it, some patrons will be put off: the day I attended, a few seemed downright uncomfortable, if not hostile, toward the work. This is fine. Art should shock, and provoke, and make us feel queasy sometimes. “The Child” achieves all three, but also startles us with aching beauty, bedazzles us with painterly skill, and injects a necessary perspective into the culture’s collective conscience.

Austrian-born and educated and now living Los Angeles, Helnwein employs a hyperrealist manner that will remind Americans of Gerhard Richter but, if anything, works to opposite effect. Rather than re-confirm post-modernist cynicism, Helnwein rekindles post-war anguish. This selection, going back more than three decades, emphasizes his preoccupation with the image of the child, from early Nitsch- and Schwarzkogler-influenced photo-actions (with the requisite bandages) to recent large portrait-like heads and depictions of Christ-child-like babes attracting odd, menacing crowds. A perverse streak runs through the images, but it’s not pederasty: tinged with surrealism, it’s an enduring shame and anger at the Nazi past – and the artist’s suspicion that Naziism hasn’t been eradicated.

..A clarity of vision in his subject matter was emerging in Helnwein's art that was to stay consistent throughout his career. His subject matter is the human condition. The metaphor for his art, although it included self-portraits, is dominated by the image of the child, but not the carefree innocent child of popular imagination. Helnwein instead created the profoundly disturbing yet compellingly provocative image of the wounded child. The child scarred physically and the child scarred emotionally from within.

Beyond his treatment of common children's motifs - dolls, toys and ambivalent nymphets- Austrian painter Gottfried Helnwein's vision is shrouded in an aura of enigmatic darkness. With his giant color portraits of stillborn babies; paintings that juxtapose Nazi-era photographs with his own images; and pictures of deformed, abjectly countenanced children swathed in bandages, Helnwein is preoccupied with the indelible suffering that mirrors the more delicate aspects of youth. His work is hauntingly gorgeous and suffused with pathos, precisely because viewers are immediately aware of the larger threat that looms within the pieces: the rupture of innocence.

Al famoso museo Legion of Honor di San Francisco è stata inaugurata la prima mostra personale negli Stati Uniti dell’artista austriaco. 19 dipinti, più di 20 foto, 13 disegni ed acquarelli documentano il percorso artistico di Helnwein (*Vienna 1948) dagli anni ’70 fino ad oggi.

"Helnwein's meticulous Irish landscapes, which are the cornerstone of this Crawford show, are unashamedly aesthetic: gorgeous confections of pure, delicious spectacle. The typically epic but not inhuman scale imitates the subject matter. The tonal realism will make people go "Wow, are they paintings?" - thanks to the photorealist finish which seems free of the foibles of the human hand. Helnwein works with very small brushes - highlighting and subtly magnifying here, muting colours or creating shadows there; pushing some paintings towards momentary sleights of impressionism; and others towards seamless, burnished hyperreality. The bird's eye view suggests a kind of superhuman vision which can simultaneously take in the entire view with breath-taking clarity, like some bionic eagle." Mic Moroney, from the essay "Out of the Apocalypse into the Sublime - bursting into Irish Landscape: Citizen Helnwein"

* Helnwein's Epiphany I has been up on our site for years now. For a while I used it as wallpaper on my desktop. Perhaps that explains how the first hypertext poem came to be one about the Virgin. But as I struggled with updating the site, I checked all my old resources and came across materials that explain Helnwein's commitments and meanings far better than I could alone.

Еще несколько любимых мной фотографий. Эти три были сделаны человеком по имени Gottfried Helnwein (www.helnwein.com). Фотграф часто снимал детей, причем как раз так, как мне это нравится. А еще он сотрудничал с Мерлином Мэнсоном. Такие дела. Фото сверху входит в серию "Modern sleep". Восхитительная спящая девочка, хочу себе такую же. Эту фотографию гигантских размеров можно было наблюдать в составе инсталляции на Los Angeles ARTshow 2003, Santa Monica. На фотографии справа под текстом - инсталляция Ninth November Night 1988. Дети дети дети, множество фотографий, каждая размером 370 на 250 сантиметров. Красиво.

Checklist THE POLAROID COLLECTION

"The world doesn't like people that are different than the average. Rulers throughout history have always hated those people that stick out of the masses, - the geniuses, the poets, monsters, artists, witches and saints; and usually they burned them or put them in dungeons, concentration-camps or mental institutions, thinking of what a nice and peaceful slave-camp this planet could be without them. But for some miraculous reason this desert-town here seems to be different than the rest of the world, because here they don't mind these monsters, they actually seem to like them. L.A. is the sanctuary for people with weird visions and impossible dreams. Maybe it's the last place on earth where dreams are still legal."

Je vous invite à parcourir les images, cheminements flashés de mon art, expériences visuelles vécues à l'extrème dans une société qui oublie souvent que derrière ses barrières modérées, se cachent des blessures et émotions mais qu'elle refoule, et qui sont souvent taboues. Rejoignant les aspirations d'artistes tels que Arnulf Rainer, autres Aktionnistes Viennois, jusqu'à Gottfried Helnwein, mais aussi Antonin Artaud, etc ... je cherche à retrouver l'identité archaïque de l'humain à-travers sa tragédie de la mort et de la naissance, ses processus de transformations dans la vie. Les travaux d'art exposés dans mon site , ne sont pas tous issus de mon expérience "N.D.E", peut-être que certains en sont plus ou moins imprégnés et je pense que la page de mes masques de morts, sont ici plus emprunts de cette expérience, [voir "The mortuary"] ....

Inszenierung, Choreografie: Gregor Seyffert Bühne, Video, Licht, Kostüme und Maske: und Gottfried Helnwein Dichtung aus "Lalla Rookh" von Thomas Moore für Solostimmen, Chor und Orchester

The films themselves range from documents of performances to highly structured experimental films. The Art of Destruction concerns the main protagonists of the movement and their own particular brands of performance/art/terrorism as well as a discussion of the major films and their influences. Each member is given space for biography (and there are some bizarre backgrounds to be sure) and key performances, all amply illustrated in disturbing black and white. Rather than just a catalogue of broken taboos the VAG are seen as natural extensions of both Dadaism and the "Happening" scene of the '50s, but one distinctly Austrian in the way that it rebelled against a harshly censorious government whom the performers saw as intrinsically unrepentant of its recent fascist past. This adds greater weight to the performances than perhaps the later New York transgressive movement, and their influence can be seen in everything from Helnwein paintings to mainstream Marilyn Manson videos.

Burroughs on photographer Gottfried Helnwein "How can a self-portrait depict statuesque calm in the face of the horrors that surround us all?"

Alle Beteiligten gingen mit Akribie an die Arbeit. Sie verbanden, unter der Leitung von GMD John Fiore, die wunderbare Musik Robert Schumanns mit einer von Gregor Seyffert und Gottfried Helnwein großartigen szenischen Umsetzung des Textes von Thomas Moore. In fünf Aufführungen fanden sich mehr als 6.000 begeisterte Zuhörer und Zuschauer in der Tonhalle ein. Den Beifall des Publikums konnte man an jedem Abend „frenetisch“ nennen.

Those who have used the same or multiple forms of the image many times over many years include Lichtenstein, Helnwein, Oldenburg, Pensato, Ospina, and Chagoya. Some have used the image more persistently than others have. Most of the images are straightforward, but some are not. For example, Christian Boltanski installed photographs of children, who were members (fans) of the 1955 French Mickey Mouse Club (ills. 9.1, 9.2 and 9.3). Rhonda Zwillinger (ill. 76.1) incorporated the castle at Disneyland into one of her paintings. Burt Payne 3 and Steve Hillenburg (ill. 32.1) used the image of Walt Disney himself in a small plastic sculpture: Walt Disney with mouse ears encased in clear plastic—the frozen Walt doll.[10] Some of these artists have produced a significant body of work based on the Mouse.

Helnwein ...was born in war-torn Vienna in 1948 and received a classical education under Rudolf Hausner at Vienna’s academy. But in the late 1960’s, he and fellow art students rebelled, staging Aktions or happenings within the Vienna Academy and out in the streets. In one, Helnwein stood quietly for hours with an enormous three-foot papier mache sculpture of a hornet clinging to his back. In 1971 he began the first of a series of troubling pictures showing children grotesquely disfigured with surgical scars.

Um Empathie, eine Grundqualifikation für soziales Handeln – nämlich die Fähigkeit eines Menschen, sich in die Erwartungen eines anderen Menschen einzufühlen, diese zu verstehen und auf sie einzugehen– einzuüben, habe ich das Bild „Mein Freund“ von Gottfried Helnwein den Kindern gezeigt. Sie sollten das Bild eines trauernden, verzweifelten Mannes interpretieren, ihm verschiedene Gefühle zuordnen und Ursachen benennen, die zu seinem Gesichtsausdruck geführt haben könnten. Damit die Konfliktparteien sich den Streitschlichtern gegenüber öffnen und anvertrauen, sollten die Streitschlichter in der Lage sein, sich in eine Situation bzw. in eine Person „hineinzufühlen“.

Author, director and actor Rodrigo M. Malmsten, 28 years, was born in Buenos Aires. His first opera “KLEINES HELNWEIN”, which he wrote and also directed himself, was awarded several prizes. It was inspired by the works of the painter Gottfried Helnwein; some of Helnwein´s paintings are shown in the opera by means of visual projections.

Es gibt gewichtige Gründe, um Helnwein als den legitimen Erben Beuys und Warhols zu bezeichnen. Einerseits folgt er in seinen Werken rituellen Mustern, andererseits spielt er mit einer Reihe von künstlerischen Variationen. Er untergräbt die Magie der Bilderwelt, indem er einen Störfaktor einbaut, durch den ein Schock im Verhältnis zwischen dem Kunstwerk und dem Betrachter entsteht. Helnwein vermischt Altes mit Neuem, und sein Stil spiegelt den Beginn der Moderne, aber auch die Welt des Cyberspace wieder. Einen großen Einfluss hat das Wien der sechziger Jahre auf ihn. Auch wird er von der Welt des Comics inspiriert. Helnwein besuchte die 'Höhere Graphische Bundeslehr- und Versuchsanstalt'. Um gegen die tägliche Routine des Klassenzimmers zu protestieren, schnitt er sich mit einer Rasierklinge die Hände auf. Durch diesem Vorfall wurde ihm bewußt, wie hilflos die Gesellschaft auf körperliche Ungerechtigkeit und auf Verletzungen reagiert. Nach dem Abschluss an der 'Graphischen' besuchte er die Wiener Akademie der Künste. Zu dieser Zeit tauchte auch zum ersten mal eines seiner Leitmotive auf: Kinder. Durch das Malen von verletzten Kindern verursachte Helnwein eine Art Schock, und brachte somit den 'Horror' zurück in die Kunst. Damit zeigte er offen den Zynismus einer Gesellschaft, die nicht mehr die Dinge so sieht, wie sie sind, dessen Sichtweise aber durch 'Bilder über Dinge' geprägt ist.

The following suicide notes were left by Japanese schoolchildren, aged ten to fifteen, who killed themselves within the last several years. Some of them met in suicide chat rooms, which are becoming increasingly popular in Japan. translated from the Japanese by Patrick Luhan.

Contrary to what his critics may believe, Manson in no way supports Hitler or Nazism. Not only is it "impossible to be fascist when you're into fashion," but the very nature of Hitler's rise to power sounded a death knell to the very art movements that Manson was inspired by. The final track on The Golden Age of Grotesque, Obsequey (the Death of Art) and the painting by the same name, demonstrates how fervidly anti-Hitler Manson really is. The painting shows the dome of Berlin burning, a direct result of Hitler becoming chancellor. According to Manson in an interview with NY Rock, "Hitler tried to define art and outlawed some of it by calling it degenerated and decadent. Hitler imposed his will and banned art he considered immoral. I'm not sure if the people who adopt those phrases and try to ban my art are aware of the implications they carry." Interestingly enough, when the same outfit was used in the mOBSCENE video, the insignia was missing. Of course, the time period for that song was exclusively Weimar Berlin, before the Nazi takeover. The outfit was also similar to that worn by Marlene Dietrich in the film Seven Sinners Helnwein's 'Album Covers that Never Were' ... Some of Manson's other wardrobe is reminiscent of Nazi dress as well. In the series, Album Covers that Never Were, (Manson's record company deemed the photographs too risque to be used for the cover) in which Manson collaborated with Gottfried Helnwein, he wore a typical Nazi officer's cap. The same outfit was used when Manson posed for the cover of Metal Hammer. He dressed in Nazi regalia, clutching a gun as a young girl looked on. His expression, however, again shows exactly how he feels about the Nazi movement.

In fact, his work is insistently open-ended. Like Goya's Disasters of War, his art queries time and again, "How can this have happened?" Sometimes viewers reply, assaulting pictures of innocent children, worshipping those of a murderous dictator. Yet such reactions can only bring us to inquire again, louder and with greater urgency, "How can this have happened?" At last we recognize that Helnwein asks questions not in order to solicit answers - hate has no reason - but rather in order that we might begin to pose our own.

Gottfried Helnwein - Selbstportrait, 1983. Stanley Kubrick - 2001, A Space Odyssey, USA 1968; Intro Barnett Newman - Here III, 1965/66, Broken Obelisk, 1967 Thomas Gainsborough - Plauderei im Park, ca. 1746, Jean-Honoré Fragonard - Die Schaukel, 1767, Caspar David Friedrich - Der Mönch am Meer, 1808-10, Öl/Lw, Das Eismeer, 1823-24 Karl Friedrich Schinckel - Felsentor, 1818, J.M. William Turner - Eine Lawine in Graubünden, 1810

* Gottfried Helnwein, artist, born in Vienna, 1948 * Theodor Herzl "founder" of Israel, lived most of his life in Austria * Adolf Hitler, dictator of Germany from 1933-1945, born on April 20, 1889 in Braunau am Inn

"Well, the world is a haunted house, and Helnwein at times is our tour guide through it. I think in anything that is really relevant and emotional art, there is some kind of a mirror that people experience. I don't think that you can recognize a feeling from something that you look at unless it's part of yourself, and so when someone is willing to take on the sadness, the irony, the ugliness and the beauty in the kind of way that Gottfried Helnwein does. Not all of Gottfried's work is on a canvas. A lot of it is the way he's approached life. And it doesn't take someone knowing him to know that. You take one look at the paintings and you say "this guy has been around." You can't sit in a closet - and create this. This level of work is earned." Sean Penn

Hay de decidirse a creer” (Aira. 51), telenovelas rasas que, en la Buenos Aires de Iris Nieves, “al mismo tiempo que eran de una extravagancia demente, debían ser muy banales, muy esquemáticas, simplificaciones brutales de la realidad, a la medida del más amplio de los públicos” (ib.), Bandagen-Aktionen y hielmos de vendas echándoselas de parificadas por idolatría de lo sobrante sobresaliente y sacrificio de fisonomía en estrictura uniforme, divinamente previsible autosuficiencia de la epidermis (v. Gottfried Helnwein, Marlene, acuarela sobre cartón, 1983) arrugada y rajada en corola de brochazo florecido sin arte ni parte mientras el hombrecito espera el autobús clavándose un Crazy Red 13 (Jolie de Vogue - Nail Polish, Laboratorios de Cosméticos Vogue, Bogotá) de lápiz tan amargo cuanto la mancha del girasol azteca que tiene encima (v. Helnwein, Artaud’s Song, óleo y pastel, 1989), a fin de enganchar la dolorosa cantilena del espinazo, claro está, obscurísimo, espejeante, otro reflejo succionado por faz definida en gasa alquitranosa, ocultos los bulbos oculares, sin tenedor edípico, la gula de sí brillando apenas en el fiel salivar de una tarántula metálica metida en la boca, quizás dispositivo quirúrgico cuya función habitual debería consistir en mantener separados los tejidos, doble erina en el lugar repugnante de lo que ni se come ni se saca, freno o bocado al borde de motes engolados, orzuelo oral, no el tumorcito del párpado sino esa especie de cepo que se utiliza para cazar fieras por los pies (v. Helnwein, Black Mirror V, Cibachrome, 1987).

Blending Art and Music: With the The Golden Age of Grotesque, Manson has attempted something not seen since Disney's unusual masterwork, Fantasia. Fantasia, the collaboration between Walt Disney and Leopold Stokowski, was Disney's first attempt to combine low art (his animation) with high art (classical music). Manson's collaboration with world renown artist Gottfried Helnwein can be viewed in the same way: a combination of low art (rock music) with high art (painting). Manson was well aware of this, as he mentioned to NY Rock, "We grew up with the idea that entertainment is some lesser form of art, less valuable, less sincere, less worthy of our attention. I don't agree with it at all."

For me, the real highpoint of Conversations is the 1992 interview with Gottfried Helnwein, the Austrian-born creative genius whom Donald Ault has justly called "One of the greatest conceptual artists of the past hundred years." His interview engages Barks in a spirit of imagination and play, and Barks responds to it: What if there were a real Duckworld? What would its layout be? If anyone can take this idea into the 21st century in current available media, it's Helnwein, whose surreal Duck portraits reveal a dark undercurrent probably always present to one degree or other in Barks's own work—Helnwein's ducks are surreal, haunting, yet strangely funny at the same time. A parody of the dark side of the comic, the work reminds one of Chris von Allsburg, WeeGee, Jim Jarmusch, David Lynch, others. And this is just where the influence is most obvious, in paintings of Donald Duck.

While Brown shares many interests with the surrealist Hans Bellmer (dolls, lolitas and bondage), the only other analogies within the world of contemporary art can be found in the early watercolours portraying bandaged children by Austrian artist Gottfried Helnwein and in the freak children sculptures by the Chapman brothers, besides the few artists (including Damien Hirst and Mark Ryden) that Brown declared to esteem. (excerpt)

The Austrian artist Gottfried Helnwein is well aware of the discomfort the public feels when confronted with images of children not represented as innocents but to whom a powerful sexual identity (and an awareness) is designated. In his work, and especially his paper drawings, he has created some of the most powerful and disturbing representations of abused childhood in history of art. We are not talking about the form of abuse commonly described in the penal code. By altering or removing the inbred pulsation that spurs us to stubbornly refuse or deny what we do not recognise, the manipulations and interferences (The Intrusion) adults perform on the social body of childhood are denounced.

Gottfried Helnwein's extensive 1997 retrospective at the State Russian Museum in St. Petersburg gave visitors an overview of his work going back to his street actions in Vienna in the 1970s, his grimacing iconic self-portraits that suggest self-mutilation, and on to his menacing canvases depicting the evils of the Third Reich. He has worked as a painter. draftsman, photographer, muralist, sculptor and performance artist. His work is consistently concerned with psychological anxiety. In his new series of paintings, done in somber monochrome blues, he continues to work with singulae sense of suspense and mystery.

Seine Kunst arbeitet meistens mit dem Element des Schocks. Er zeigte offen den Zynismus einer Gesellschaft, die nicht mehr die Dinge so sieht, wie sie sind, sondern dessen Sichtweise durch bereits bekannte 'Bilder über Dinge' geprägt ist. "Die Funktion des Künstlers besteht darin, die Erfahrung eines überraschten Erkennens wachzurufen: dem Betrachter zeigen, was er weiß, von dem er aber nicht weiß, dass er es weiß.- Helnwein ist ein Meister dieses überraschten Erkennens." (William Burroughs)

Gottfried Helnwein, keine Frage, ist ein Künstler auf der Höhe der Zeit. Wie alle avancierten Künstler hat er sich nicht nur den Herausforderungen der neuen Techniken gestellt, vielmehr meistert er sie, indem er sie zur immer vollkommeneren Verwirklichung seiner künstlerischen Vorstellungen planvoll nutzt. Niemals verwendet er Technik um ihrer selbst willen oder um mit vordergründigen Effekten zu verblüffen. Er ordnet im Gegenteil die technischen Mittel den Zwecken seiner künstlerischen Ziele strikt unter. Für seine zeitgebundenen Aktionen zu Beginn seiner künstlerischen Praxis waren Fotografie und Film die einzig angemessenen Mittel, wenigstens einen Rest ihrer provokativen Wirkung mit dem Siegel der Authentizität zu erhalten. In diesem Fall war der eigene Körper das hauptsächliche Mittel des künstlerischen Aktes.

Mag in der Insistenz und Extensität der Produktion Rainers Werk herausragen, die Abwendung von der Anthropologie, die als Negation doch auch mit ihr verknüpft ist, durchzieht die Kunst seit der Mitte des 20. Jahrhunderts. Zum Bestand der kanonisierten Kunst gehören mittlerweile die fotografisch dokumentierten Body-Perfomances der 60er und 70er Jahre (z.B. Bruce Naumann, Jürgen Klauke, Klaus Rinke), die Selbstporträts Gottfried Helnweins der 70er und 80er Jahre, die Video-Dummies von Tony Oursler.

Art Direction: Gottfried Helnwein Editing and primary director of photography: Benjamin at the Barbarian Group Second camera: Charles Koutris Location: studio Helnwein, Los Angeles

...To this day, there is still controversy over when to operate on these fixed nasal deformities acquired during midfacial growth. The painting by Helnwein, entitled "Mean Child", depicts a terrified child who has just undergone a reconstructive operation to form a new nose from a frontal flap (Fig. 46). Blood drips from the tubes projecting from the reconstructed nose. A purulent scrap of granulation is seen in the left medial canthus, while a fresh scar from which the sutures have just been removed stretches from the angle of the mouth to the left ear. The flowered wallpaper in the background contains these words: disobedience allowed, taking pleasure in punishments, unchaste things, and other words which are connected with lines to the pathological alterations in the face. Do these harken back to the mediaeval belief that sickness is a punishment for greater or lesser human failings? Artists: George Grosz, Gottfried Helnwein, Albrecht Dürer, Rembrandt, Peter Paul Rubens, William Hogarth, Otto Dix, Velásques, Hans Holbein the Younger, Bernard van Orley, Vrubel, Jacob Jordaens, Juan Carreno de Miranda, George Catlin, Jan Provoost, Honoré Daumier , Heinrich Zille, Wilhelm Busch, , Gaetano Guilio Zumbo, Manfred Deix, Simone Martini, Cornelis Cornelisz van Haarlem, Marc Chagall, Chicotot, Laurence Sterne, Utamaro, Ferdinand Bol, Master of the Wenemaer Triptych, Liberale da Verona, Jules Lenepveu, Alexandrowitsch Wssjewoloshskij, and Ancient Egypt-, Phoenician-, Roman-, Greek- and Mayan -artists.

Zielsetzung: Der im Unterricht der Qualifikationsphase vertieft zu behandelnde thematische Schwerpunkt 1 "Bilder vom Menschen" gibt u.a. die Auseinandersetzung mit "Bildern der Entfremdung" und die Inszenierung der menschlichen Figur vor. Bezüge zu dem thematischen Schwerpunkt 2 sind insbesondere durch die für Helnwein charakteristische Einbindung der menschlichen Figur in Raumzusammenhänge gegeben. Eine Annäherung an das Werk Helnweins soll in kritischer Auseinandersetzung mit dem sich in den Arbeiten manifestierenden Menschenbild erfolgen. Möglichkeiten einer Übertragung der Strategien Helnweins auf den Unterricht sollen hinterfragt und Unterrichtsgänge in der Ausstellung vorbereitet werden.

teatrenacional.com > Llistat d'obres de teatre > Kleines Helnwein, Rodrigo M. Malmsten

This was the moment when I sensed for the first time," Helnwein has since written, "[that] you can change something with aesthetics, you can get things moving in a very subtle way, you can get even the powerful and strong to slide and totter, anything actually if you know the weak points and tap at them ever so gently by aesthetic means." For the following three-and-a-half decades he has relentlessly pursued that goal, masterfully incorporating everything from painting to performance to photography, regularly causing art world outcry and public fury. Yet as his knockout exhibition at Modernism last October made clear, his art is successful less for its evident tendency to provoke than for its extraordinary ability to perplex.

Disney artist Carl Barks (1901-2000) created one of Walt Disney's most famous characters, Scrooge McDuck. Barks also produced more than 500 comic book stories. His work is ranked among the most widely circulated, best-loved, and most influential of all comic book art. Although the images he created are known virtually everywhere, Barks was an isolated storyteller, living in the desert of California and preferring to labor without public fanfare during most of his career. The influence of Barks's work on such filmmakers as George Lucas and Steven Spielberg and on such artists as Gottfried Helnwein has extended Barks's significance far beyond the boundaries of comics.

Helnwein's painting - both cheekily and totally in homage - appropriates the great paintings, "The Polar Sea" (1824) by the leading German Romantic landscape artist Casper David Friedrich. Helnwein here re-renders the painting in a gloomy, cinematic blue-black duochrome, and hugely magnifies it from its original scale (about 1 metre by 1 metre 30), although the foundered ship still seems dwarfed and pulverised by the splintering ice sheets. It remains a fine example of that particularly Germanic celebration of heroic humanity dashing itself against the majestic cruelty of nature. Helnwein, in his wry title and borrowing of the image, is suggesting an uncomfortable paradigm behind Friedrich's painting - a perpetual sense of momentous revolution within nature, raw humanity and indeed artistic culture. These ideas pervaded Friedrich's work, as well as that of composer Richard Wagner and philosopher Friedrich Nietzsche - all of whose works were later so mistakenly absorbed into the "superhuman" aesthetic of Nazi ideaology and doctrine.

Faкeл: Кто для вас важнее, Адольф Гитлер или Дональд Дак? Gottfried Helnwein: Конечно, Дональд Дак. Встреча с этим персонажем в возрасте четырех лет была моей первой встречей с великим искусством. Я родился в Вене, оккупированной советскими войсками, сразу после окончания войны. Кругом разбомбленные дома, врослые казались мне разбитыми и угнетенными. Не помню, чтобы в раннем детстве кто-то пел или смеялся. Мир вокруг меня казался немым черно-белым кино в замедленной перемотке. Я чувствовал себя так, будто приземлился на чужой планете, в мире, которому не принадлежу. Однажды вернувшийся с работы отец бросил на пол передо мной едва ли не первый немецкий перевод комиксов о Дональде Даке. Открыв эту первую в моей жизни книгу комиксов, я открыл дверь в реальный мир. Робко вошел. Я чувствовал себя так, как человек, переживший взрыв на шахте. После долгого пребывания в темноте между жизнью и смертью я вошел в яркий свет Дакбурга, и мои глаза, не привыкшие к такому яркому свету, наполнились слезами. Я глубоко вздохнул, и мои пропыленные легкие наполнились свежим воздухом. В этом мире все снова обрело свой смысл: люди снова выглядели нормально, у них были желтые утиные клювы или собачьи морды, и каждого из них можно было безо всякого вреда для их здоровья продырявить пулями или раскатать в лепешку гигантским катком. Это был мир красок, скорости, приключений, магии и удивления. Я никогда не отступал назад, в чистилище так называемого "реального мира", и с тех пор Дональд Дак стал для меня неограниченным источником вдохновения.

Monograph texts by Alexander Borovsky, Curator for Modern and Contemporary Art Peter Selz Klaus Honnef William Burroughs Heiner Müller Second edition: Koenemann, Cologne, 1998 Texts in English, German and French

Shakespeare Survey is a yearbook of Shakespeare studies and production. Since 1948 Survey has published the best international scholarship in English and many of its essays have become classics of Shakespeare criticism.

Artists in their pusuit to understand themselves and the world around them have been forced to face the pain of suffering. Helnwein, in his important "American Madonna" (Epiphany IV) painting, depicts with provocation the conflict between men of power and the weak. In this present day setting, the police are confronting a divine being.

Helnwein is famously confrontational, and his bold conflations of Nazi and Christian iconography, in Epiphany and other prominently displayed pictures, predictably generated some friction. Yet, in a way, one shouldn't rush to condemn condemnations of, or expressions or resignation about, Helnwein's work, no matter how superficial or uninformed they turn out to be. Because, let's face it, a large part of its effectiveness had to do with its calculated, barbed ambiguity. The point of the images is that they put it up to you as a viewer. Given that, one potential line of criticism is that they are designed solely to be provocative, like Marcus Harvey's portrait of Myra Hindley. But the abiding strength of Helnwein's work is that provocation is a means rather than an end; it is - however uncomfortable - morally grounded, if not necessarily in a way that will please all observers... His beautiful photographs of Kilkenny children are, collectively, a recognisable derivative of his work Selection, which implicitly placed the viewer in the position of someone marking children for extermination. Strong stuff. If that seems irrelevant in an Irish context, one could always point to Northern Ireland and to the scandals that have shaken the complacent authority of church and state in recent years. What is more innocent, more open, more charming than the face of a child? Except that we are more than ever uncomfortably aware that the act of looking is not at all innocent, and Helnwein's children, with their closed, downcast eyes, decline to meet our collective gaze. Why? Perhaps because they insist on remaining within the orbits of their imaginations. There is also, however, a slight unease arising from the uniformity of the images and the awareness that the subjects are being directed. Helnwein has a knack for throwing responsibility for what we are looking at back onto us, the viewers.

Exhibition - catalogue One man show, Butler House, Kilkenny Installation in the Kilkenny city center Introduction by Claire O'Donoghue Essay by Mic Moroney Ninety children from around the city and country were photographed by the artist here in the High Street and nine are displayed in central locations around the city, dramatically enlarged up to 9 metres high. This ongoing project, begun here, will continue in other cities and towns in Ireland as the artist intends to expand the work to include one thousand Irish children. These beautiful,confident and happy children from Kilkenny contrast starkly with some of his more disturbing imagery. The juxtaposition of historical photographs of the Nazi regime with religious imagery of the Madonna and Child in the "Epiphany" series can make uneasy viewing not only in Germany and Austria but also here in Kilkenny. Amongst a number of possible readings of these works is the uncomfortable relationship between the church and oppression in its various forms. However, as the artist Nolde said, "harmless pictures seldom mean anything". Nolde was banned from painting by the Nazi regime.

Most of the city pictures emerge from a deceptively simple strand of Gottfried's work, the frank photography of children's faces. He photographed over ninety children in Kilkenny. Now these kids are immortalised, larger than life in their extreme youth, and dotted around the gable-ends and walls of their native town; there eyes closed in beautiful, breathless meditation. Mounted in a manner which is normally the preserve of billboard advertising, these are quietly awesome images of the city's youngest inhabitants.

La deuxième Table Ronde sur la médecine a réuni des historiens de la médecine et de l’art, des médecins, des philologues, des étudiants du CESR et de la Faculté de Médecine autour de la notion du symptôme. ..Qui nous montrent en somme qu’il n’y a, chez l’homme, jamais rien d’impeccable. Il s’agit notamment de Francis BACON, Lucian FREUD, Gottfried HELNWEIN, Joël-Peter WITKIN et du « cas » David NEBREDA. Pour autant que leur intention ne soit pas forcément la subversion, ils ont au moins en commun de nous jeter au regard ce que cache la peau, ce qu’est la chose qui nous fait sous sa surface visible, cette autre chose que le pur produit d’une matrice.

This image is one of over 118,000 from The Art Museum Image Consortium Library (The AMICO Library™), a growing online collection of high-quality, digital art images from 39 museums around the world. Creator Name: Gottfried Helnwein Creator Nationality: European; Central European; Austrian Title: Self-Portrait Creation Date: 1993 Object Type: Drawings and Watercolors Materials and Techniques: Colored pencil Contributor: Fine Arts Museums of San Francisco Owner Location: San Francisco, California, USA Credit Line: Museum Purchase, Achenbach Foundation for Graphic Arts Endowment Fund

Nicht nur um die Spannbreite des künstlerischen Darstellungsmodus, der sowohl reduktiv wie expressive ist, zu demonstrieren, sondern auch, um die Gattung der Portraits zu ergänzen, sei kurz auf die "Selbstportraits" verwiesen. Die Akribie der Fotografien und "silver" prints, die Präzision der Zeichnungen und die Radikalität der Farbmalerei, die die eigene Gestalt zum Schimmer ihrer Selbst werden läßt, indem Form und Kontur fast bis zur Gänze aufgelößt ist, verdeutlichen Schmerz, Angst, Leid und Ohnmacht. Auch das so oft anzutreffende Portrait von Gottfried Helnwein, welches ihn durch das an sein Gesicht angepaßte, ärztliche Instrumentarium, zur Grauen erregenden Maske mutieren läßt, ist Schrecken der eigenen Erscheinung. Erblindung, Schrei und Fessel stoßen ab, indem die tiefsten psychischen Abgründe anschaulich inszeniert und allegorisiert werden.

In art we can experience Holocaust at the Imperial War museum, Apocalypse in RCA, and we can just view Euguene Smith's photographs and Helnwein's amazing art within stupefaction, or we can even find ourselves attached with Tarantino's 'ironic, affectless and funny' violent images... On one hand, the perception and cognition of reality within these images of death, dying and suffering are bound to change one's attitude, ethical and moral views, and opinions in a way where the familiarity to death is dissipated and has become submissive. It has become easier to face the idea of death. So one might argue the fact that desensitized impression is actually sensitizing. On the other hand, the artist, who chooses to exhibit and present the political and provocative images of pain as a means of catharsis in order to heal, might be bringing a new way of dealing with the issues of death, suffering and dying (as in Helnwein's case). So the project aims to scrutinize the fine line between these two views while investigating the contemporary images of death within a sociological, philosophical and historical approach.

"Dino Buzatti hat einmal geschrieben, die menschlichen Enten des Carl Barks böten für die Weltkunst ein so bedeutendes Figuren Repertoire wie die von Moliere, Goldoni, Balzac oder Dickens. Und für Gottfried Helnwein, der eine Ausstellung über Donald und seine Welt zusammengestellt hat, ist Barks der einzige bedeutende Künstler unseres Jahrhunderts neben Picasso. Aber der ästhetische und soziale Reichtum, den Donald Duck Leserinnen und Leser in aller Welt schätzen und lieben [...] all das macht Donald zum Zentrum einer universalen, dynamischen Kunst-Welt. Aber in Deutschland ist er mehr; in der Bundesrepublik und in Österreich gibt es nur wenige Biographien, in denen er nicht eine fundamentale Bedeutung hat, eine Überlebensbedeutung, eine Fluchtbedeutung, eine Wahrheitsbedeutung.

Austrian born artist Gottfried Helnwein's work is also of exemplary value, beginning with bandage action events (documented by the artist appearing in cafe's and lying in the street with his "wounded" head and face bandaged). His work depicts physical injuries which are metaphors for far deeper existential, psychological and human tragedies. Medical injuries, facial deformities and abused children proliferate throughout his work evoking primary internal anxieties. The inhumane acts of violence (child abuse, war atrocities, state oppression) and frightening images of familial estrangement that are presented in his work, constitute events which are preferred forgotten, like the nazi era, or preferred left unspoken such as familial traumas like child abuse. Helnwein also conducts a probing analysis of the individual and the self through an abundance of self portraits, each obscured by hideous facial bandages, his facial muscles, lips and eyes are stretched apart, torturingly, by varied medical instruments, now made famous by the Rammstein covers. All his images in some way evoke associations with mutilation, anguish or internal alienation. The works (frequently paintings appearing remarkably like photographs), boldly put forward social unacceptabilities never before portrayed so lucidly and so confrontingly. The many intensities produced in the work are profoundly disturbing, the impressions - uncomfortably eerie, electrocuting the eyes with a rush of haunting spatiality.

Helnweins Thema ist der malträtierte, unterdrückte Mensch, am beeindruckendsten in einer Serie von mißhandelten und verstümmelten Kinderköpfen (1969). Dieses Thema inszeniert er auch in Fotoserien und Installationen sowie Performances ("Blut für Helnwein", 1972). Nach 1985 kombiniert er großformatige Fotos mit abstrakt-gestischer Malerei ("Der Beweis", 1986). In Helnweins Kunstauffassung offenbart sich ein obsessiver Realismus, der die verdrängte, tabuisierte »Nachtseite« der menschlichen Zivilisation in packenden Metaphern veranschaulicht.

La démarche de Gottfried Helnwein est différente. C’est l’enfant victime qui est son sujet. Victime, mais également sauveur, comme dans l’une de ses plus belles œuvres, “Kindskopf”, exposée dans l’eglise médiévale de Krems en Autriche, en 1991.

Su gato siamés trata de robar cámara en la sesión fotográfica: extiende su cuerpo como su dueña, se para donde le indica el fotógrafo, mira al objetivo con sus ojos verdes. O deambula llamando la atención por el luminoso departamento donde computadora, libros y revistas expresan el ordenado desorden de esta actriz de 25 años que obtuvo el premio ACE a la actuación en espectáculo off por su labor en Kleines Helnwein, y una invitación para participar con esa obra en el festival Grec 2001, de Barcelona.

Any artist who sites Donald Duck and Jesus Christ as the most important influences in their art must be worth taking a look at. In the row of pristine gallery fronts in London's Cork street, you cannot miss Gottfried Helnwein's show; it's the one with the gigantic Mickey Mouse staring out at you. The Robert Sandelson Gallery has given us a stunning show of the infamous, Austrian born artist's recent work. Helnwein is on a mission to find the answers to questions that no-one in Austria would give him; such as why the post-war republic portrayed itself as a victim rather than as one of the first main perpetrators of Nazism.

The Book Bukowski in Pictures is the first pictorial biography of cult writer, Charles Bukowski. The writer's extraordinary private and public life is illustrated with hundreds of photographs, most published for the first time. Extracts from Bukowski's poetry and prose are sprinkled throughout, together with drawings, cartoons, manuscripts, rare broadsides and personal letters. It features powerful new portraits of Bukowski by leading photographers such as Gottfried Helnwein and Tony Lane, former art director of Rolling Stone, as well as work by R.Crumb. All photographs have detailed captions by biographer Howard Sounes who has also written a powerful introductory text with new revelations gleaned from Bukowski's recently declassified FBI file. The end result is a fascinating life in pictures that will be essential for all Bukowski fans.

exhibition-catalogue Albertina, Wien - 10. 10. 2000 - 18. 10. 2000 Galerie Suppan, Wien - 23.10. - 25.11. 2000

(excerpt) Other works in the exhibition present the dark side of cartoon characters. The prevailing narrative structure of many cartoons is a cycle of one's character's unrelenting attacks on another. Yet the violence of these scenarios is subverted and humor achieved by the lack of any permanent injury to the victim and the gleeful nonchalance of the adversary even during the most aggressive assault. Static representations of wounded or menacing cartoon characters can expose the violence and eliminate the humorous punch line. In Gottfried Helnwein's painting Mickey (plate 24), Mickey Mouse's physical features, which usually contribute to his appeal become a thin veneer of looming attack. Blown up to a monster scale and rendered in an austere gray palette, Mickey's smile is deceptive.

In 'The Darker Side of Playland', the endearing cuteness of beloved toys and cartoon characters turns menacing and monstrous. Much of the work has the quality of childhood nightmares. In those dreams, long before any adult understanding of the specific pains and evils that live holds, the familiar and comforting objects and images of a child's world are rent with something untoward. For children, not understanding what really to be afraid of, these dreams portend some pain and disturbance lurking into the landscape. Perhaps nothing in the exhibition exemplifies this better than Gottfried Helnwein's 'Mickey'. His portrait of Disney's favotite mouse occupies an entire wall of the gallery; rendered from an oblique angle, his jaunty, ingenuous visage looks somehow sneaky and suspicious. His broad smile, encasing a row of gleaming teeth, seems more a snarl or leer. This is Mickey as Mr. Hyde, his hidden other self now disturbingly revealed. Helnwein's Mickey is painted in shades of gray, as if pictured on an old black-and-white TV set. We are meant to be transported to the flickering edges of our own childhood memories in a time imaginably more blameless, crime-less and guiltless. But Mickey's terrifying demeanor hints of things to come. ...

Historian Peter Selz has compared Gottfried Helnwein's tortured, screaming, and bandaged self-portraits to Messerschmidt's sculptural self-portraits, but the artist has said, " The reason why I took up the subject of self-portraits and why I have put myself on stage was to function as a kind of representative for the suffering, abused and oppressed human being. I needed a living body to demonstrate and exemplify the effect of violence inflicted upon a defenseless victim. There is nothing autobiographical or therapeutical about it, and I don’t think it says anything about me personally.

Deutschbauer: "Was sind am Schluss eines Buches für gewöhnlich Ihre Gedanken?" Maler Gottfried Helnwein: "Ich habe Bücher gern, die mich am Ende hängen, ratlos lassen. Da fange ich dann an nachzudenken." Gottfried Helnwein über "Auf der Suche nach der verlorenen Zeit" von Marcel Proust.

A year or so back, an exhibition called Sensations caused a few upsets, first in London and then in New York. Central to the reaction was a large-scale portrait of a child-killer assembled from, if I remember correctly, the palm prints of children. So far, so bland. The shock element in art has been much talked about in the last five years but art that actually shocks has been thin on the ground during the same period. Step forward then, Gottfried Helnwein. By and large, if art is going to shock, it better have something shocking to say,and it's clear that Helnwein has found that.

These paintings are about America, I guess from a very European point of view. They're based on photographs, mainly newspaper photographs, of the Fifties and Sixties from archives in New York and L.A. Most people in these pictures are real people, caught in some long forgotten, petty events. I rearranged the scenes, introduced new characters, and created new relationships and contexts. And then I painted them in black and blue. That's how I remember America back then in the early Fifties in Vienna, where I was born. The big war had ended a few years ago, but the city still seemed undecided as to whether this was the end of the world or if life should go on. It was a strange, sad and surreal world. The streets were empty, the houses dark - many of them in ruins from the bombings. The few people I saw seemed ugly, clumsy, and depressed. I never saw anybody laughing and I never heard anybody sing. It was a world without sound and colour. Everything moved in slow motion, like slime. We had no phones, no television, no cars, no music, no pictures, except the paintings of tortured people in the Roman Catholic church which made a deep impression on me, haunting me in the sleepless nights of my childhood limbo. And then, without any warning, suddenly there was America. When I saw the first picture of Elvis I was in a state of shock, because I couldn't believe that a human being could be so beautiful. That was the beginning of the never-ending flood of American images that suddenly came over us and started to penetrate and transform everything.

Neben Skizzen von Ballet tanzenden Hasen und gestiefelten Katzen, strangulierten und gestopften Enten finden sich Studien oder eher Wunschzeichnungen zu malträtierten Kinderköpfen, deren Münder durch Spangen und rosige Narben grauenhaft entstellt sind, aber gleichzeitig durch ihre höhnischen, Fratzen schneidenden Grimassen Ungehorsam, Widerstand, Aufruhr, so etwas wie kindliche Autonomie in der depravierten Erwachsenenwelt signalisieren. Das Feixen des malträtierten Kindes, ein groteskes Vexierbild, in das Märtyrertum und Subversion der Menschenkreatur gleichermaßen eingeflossen sind, ist ganz allein Helnweins Erfindung. Sie offenbart sich in den vielen Metamorphosen des Phantasmas vom versehrten Körper als obsessives Grundmuster seiner Bildwelt und aktionistischen Darstellungen, als Metapher einer im Innersten des Menschen vorhandenen Unverletzlichkeit und Unbesiegbarkeit.

Una mujer que vive como una niña; un hombre que vive como un niño; una entidad ("Kleines" es el adjetivo alemán neutro: lo pequeño) Se trata de una víctima, aunque también de un posible victimario. Tal vez en su historia, sus padres hayan ejercido abuso de poder sobre este NIÑO-HOMBRE o esta NIÑA-MUJER. Tal vez no hubo padres, sino una figura real de nuestro reciente pasado histórico, responsable de haber deformado a este individuo-Sujeto-Personaje, convirtiéndolo en un ser perverso y dulce, en un asesino posible. PRESA-PRESO. EN UNA ATOMOSFERA INFANTIL úUNA HABITACION DEGRADADA A UN METALICO CLIMA CASI DE LABORATORIO ú KLEINES HELNWEIN SE MIRA; ES SU PROPIO ESPEJO. ES NUESTRO PROPIO ESPEJO. Monstruo repudiable y Triste: KLEINES HELNWEIN. ¿Pseudo-Mädchen? ¿Soledad? ¿Suerte de vivisección del imaginario infantil, la otra cara de Heidi o la novicia rebelde? ¿Fragmentación oscura? ¿Víctima y futuro victimario? ¿Quién podría responder estas preguntas? Si KLEINES HELNWEIN "es" violencia. Rodrigo Malmsten, director.

Teksti: Virpi Wuori Kuva: Gottfried Helnwein Unikankare haastatteli itävaltalaista taidemaalari ja valokuvaaja Gottfried Helnweinia Wäinö Aaltosen museossa ennen hänen retrospektiivisen näyttelynsä avajaisia. Teema, johon Helnwein palaa aina uudelleen, on ihmisen julmuus ja toisaalta haavoittuvuus, fyysinen ja psyykkinen kipu, jonka yhtenä symbolina hän käyttää teoksissaan kylmiä metalli-instrumentteja pehmeän ja haavoittuvan ihon rinnalla. "Työni lähtökohtana on dialogi katsojan kanssa. Jos olisin yksin autiolla saarella, maalaamisessa ei olisi mitään mieltä. Haluan vaikuttaa kuvillani ihmisiin. Siksi aikakauslehdet ja etenkin suuret ulkojulisteet ovat olleet minusta tärkeä kanava saada kuvani niin monien ihmisten ulottuville kuin mahdollista." Niinpä Helnwein on johdonmukaisesti kiinnostunut esittelemään taidettaan myös tietoverkossa.

Der Argentinier Rodrigo M. Malmsten hat, inspiriert durch die Bilder Gottfried Helnweins, das Theaterstück "KLEINES HELNWEIN" geschrieben. Es wurde 2000 in Buenos Aires uraufgeführt TITULO DE LA OBRA: KLEINES HELNWEIN Es una Coproduccion con el Teatro General San Martin

Gottfried Helnwein, Un bello grito en la oscuridad de la noche La mariposa negra, la mas bella Estremecedor, sencible y temido, amado y repudiado, Arrebato, a la historia su sombra, para poder exponerla y destriparla, siempre Sutrajo de la medicina su imbecil ortopedia hasta convertirla en la burla del hombre. El trabajo de Helnwein, es un panoptico de los deseos mas oscuros del hombre, De lo que muchos no queremos ver de nosotros mismos. Desacraliza idolos contemporaneos, un ejemplo de ello es La religiones y Los Dioses Con su obra arranca de raiz la mascara de nuestra sociedad Ha Fotografiado el lado mas estupido de las estructuras de poder para reirnos de las mismas y para temerles Conoci a Gotfried hace algunos pocos anos, aprendi a conocerlo a descubrirlo, en el bello intento por diseccionar su maravilloso trabajo. A partir de el, comence a escribir, su pintura una bella mordida, un bello y duro golpe en el corazon de mi craneo, un tiro de bala en el rostro del espectador, en donde a traves de ella, de su obra, pude ver mi sombra en la tarde mas luminosa que he tenido. La obra de Gottfried, del maginifico artista Helnwein, mi infancia que nunca se aleja, luego Kleines Helnwein, de la cual soy el autor, el director, de esa pieza teatral maldita.Mi primer pieza teatral, acepatda el publico y repudiada, por el publico, temida en las estructuras de los festivales internacionales de teatro, rechazada por la censura en plena democracia en Argentina, pais en el cual naci y creo creci. Kleines Helnwein, Kleines Gottfried o Helnwein-Malmsten o Malmstein, Rodrigo Helnwein, escupidos, admirados, repudiados, respetados, temidos. Goffried Helnwein, Marco Polo de la psiquis del hombre, del hombre lobo cazador de hombres, un brillante y helegantisimo artista, que con su arte muestra la cara mas oscura de la sociedad en la cual el hombre habita y en la cual el hombre muere. Sobre las ruinas del mundo, sobre la devastacion del hombre por el hombre Gotfried Helnwein sera el espejo mas nitido de la voracidad de nuestra contemporaneidad. Rodrigo M . Malmsten.

Die Reihe der großen Namen ist lang, die in den letzten Jahren in Verdacht und Verruf gerieten. Botho Strauß, Anselm Kiefer, Martin Walser, Hans Magnus Enzensberger, Gottfried Helnwein, Peter Handke - ihnen allen wurde "gefährliches Denken", Abdriften in "Untiefen" oder "Fischen im Trüben" vorgeworfen, wenn man sie nicht gleich verdächtigte, "faschistoid" zu denken, zu malen oder zu schreiben.

Ich schätze Helnweins unendliche zeichnerische Qualität, seinen enormen künstlerischen Witz. Vom malerischen Können muß man gar nicht reden, da ist er Weltklasse. Außerdem ist Helnwein ein überaus intelligenter und unruhiger Geist. Seine Übermalungsexperimente sind hochklassig: Luxusbilder, Weltkunst.

Zum Wesen der Apokalypse gehört die Zuspitzung aller Gegensätze, die unbedingte Herbeiführung einer Entscheidung. Der Erzengel Michael stürzt den Drachen Satan zur Erde, womit zwar im Himmel der Kampf gegen das Böse entschieden ist, auf Erden jedoch erst jenes Inferno ausgelöst wird, welches Voraussetzung für den Weg durchs Gericht in das "Neue Jerusalem" ist. Für die Ausstellung in der Kremser Dominikanerkirche - zweifelsohne ein Ort, der aufgrund seiner Aura und kulturhistorischen sowie kultischen Bedeutsamkeit die Intensität von Helnweins Bildern noch zu steigern vermag - hat Helnwein verschiedene vorhandene Werke, zurückgehend bis 1986, unter einem bestimmten Aspekt neu gruppiert und mit neuen, für die Ausstellung fertiggestellten Bildern ergänzt. Der von ihm gewählte Titel "Apokalypse" erschließt sich nicht über die Umgangssprachliche Verwendung des Wortes, sondern nur über seine tatsächliche Bedeutung im Sinne von "Offenbarung der letzten Dinge". Diese sind schrecklich, und in Helnweins Bildern führt kein Weg aus der Finsternis der Beklemmung, die sie bewirken.

Project Arts Centre

La vision des personnages de Hanté (Haunted) est fantastique, certes, peut-être d’un fantastique plus œdipien, fétichiste et fantasmagorique que grotesque, mais l’étrange, le surnaturel surgissent sous forme de liens détournés et anormaux, créant ainsi un désordre dans la routine, le faux équilibre et la proportion. À l’instar de certains maîtres du grotesque comme Goya, Doré, Fuseli, Dali, Magritte, Otto Dix, ou GOTTFRIED HELNWEIN, Joyce Carol Oates emploie le genre à des fins comiques, sardoniques ou satiriques. Mais en même temps, la violence de ses contes est telle que l’on n’est jamais très loin de l’horreur ou de la terreur. Ce sont des contes cruels, comme il en existe parmi les hommes, les femmes et, malheureusement, chez les enfants aussi ; et ces choses-là nous séduisent, semble-t-il. Du moins nous semblons être fascinés au plus haut point par cette comédie ou plutôt tragédie humaine. Mais notre soif demeure et restera toujours insatiable.

Künstler, Museen, Themen und Ressourcen; Aufruf der Seiten über einzelne Schlüsselwörter. Suchen und Recherchieren; Kunstgeschichte; Literatur; Zeitschriften; Datenbanken; Bilder - Suche; Institutionen; Link-Sammlungen; Museen; weitere Informationen. Links zu den Seiten wichtiger Künstler der Kunstgeschichte; Verweise auf umfangreiche Werksammlungen online. Kunstepochen; Kunst in verschiedenen Ländern und Kontinenten; verschiedene Stile und Gattungen. Beispiele von der Höhlenmalerei bis zur Gegenwart.

In addition to over 130 Signac drawings, the Arts Center has amassed a world-renowned collection of fellow Europeans' works on paper. Among the celebrated draftsmen are the familiar names of Rembrandt, Rubens, Cézanne, Degas, Francois Boucher, Alberto Giacometti, Tiepolo and Picasso. Equally important is the ranging from an intimate 15th century Northern silverpoint to numerous examples from the Russian Avant-Garde to contemporary works by Berner Venet and Gottfried Helnwein.

The Choice, is an exhibition that identified unknown and emerging artists through the viewpoint of leading contemporary artists. We invited an international group of artists to engage their own curatorial ideas. In the role of curator, these artists had been asked to present the work of artists they have followed or whose work has affected them in a personal way. Curator/Artists Ida Applebroog: Jane Higgins, Saeri Kiritani, Lisa Petsu Lagunes Nicole Eisenman: Alison Kelly, Maria E. Piñeres, Suzanne Wright Robert Gober: Jonathon Hexner Antony Gormley: Ignassi Aballi, John Patrick Clayman Gottfried Helnwein: Iris Andraschek, Danielle Kraay Damien Hirst: Rachel Howard Ronald Jones: Eric Schnell Frank Moore: Aaron Cobbett, Michael Combs Cindy Sherman: Charles Clough, Susan Jennings, David Krueger, Gail Le Boff Laurie Simmons: Helen Rousakis, Pedro Barbeito Kiki Smith: Joey Kötting Sam Taylor-Wood: Georgie Hopton Nari Ward: Brett Cook Dizney, Chris Sollars

Helnweins künstlerische Praxis beruht auf der Erkenntnis der grundsätzlich unterschiedlichen Seinsformen von Fotografie und Malerei. Einerseits schöpft er als einer der konsequentesten Multimedia-Künstler überhaupt die spezifischen Möglichkeiten der jeweils verwendeten Medien bis zu den Grenzen ihrer Horizonte aus -- neben Fotografie und Malerei die Zeichnung und die Performance -, spiegelt sie andererseits, aber auch gewissermassen ineinander, so dass sie sich gegenseitig erhellen und ihre Wirkung steigern.

"Child's Head", 1991, Oil and acrylic on canvas, 650x403.5 Pg. 278 The early stages of this monumental head can be seen in Helnwein's widely varied portrayals from the seventies of suffering children, but above all in the Cologne installation of anonymous children's portraits "9th November Night" from 1988. The human face, in particular the child's face, is of great fascination for Helnwein and consequently accounts for one of his central pictorial subjects. The monumental face of a little girl which is introduced here is, as it were, representative of all children. In our adult society oriented towards profit and success, children can almost be described as a fringe group, their interests indeed being observed in a comparatively modest fashion. Against this background, this monumentalizing of the face in connection with the hyperrealistic style of painting is to be understood as an oppressive irritation of our customary experience of perception. Originally the child's head was shown in a Minorite church in Krems, Stein; in fact it was placed at the focal point of a huge early Gothic room which lent the picture a positively sacral tone.

Vor Jahren war Robert Wilson mit seiner Interpretation der HAMLETMASCHINE zu den Berliner Festwochen eingeladen. Wilson bezwang den Text durch überstilisierten Ästhetizismus. Die Kritik feierte seinen Formalismus und sein Lichtdesign. Das Westberliner Schaubühnenpublikum (die Mauer stand damals noch) war begeistert von Wilsons gestylten Standbildern und seinem designten Licht. Den Urschrei in der HAMLETMASCHINE verspürte keiner. Diese HAMLETMASCHINE beunruhigte keinen. Fastfood für Intellektuelle, ohne Kanten und Tiefe, ohne die Wut des Autors. Ein schöngeistiger Event, ohne den zerrissenen Background der Entstehungsgeschichte, ohne den "Ruf nach mehr Freiheit" aus dem "der Schrei nach dem Sturz der Regierung wird". Das beruhigende dieser HAMLETMASCHINE war, daß sie nichts wollte, außer anders sein. Nun wieder HAMLETMASCHINE; die Mauer gibt es nicht mehr, die Berliner Festwochen immer noch, Robert Wilson ist Weltstar geworden und noch harmloser als er schon immer war. Schon im Vorfeld löste diese Münchner Produktion Unruhe und Bewegung aus. Grund war ein Bild, "Epiphanie", des Wiener "Blut und Schockmalers" Gottfried Helnwein, Teil seines Bühnenbildes für die Münchner HAMLETMASCHINE. Die Witwe eines auf dem Helnwein-Gemälde abgebildeten SS-Offiziers versuchte in München gegen das Bild eine einstweilige Verfügung zu erwirken, der nicht stattgegeben wurde. Aufgrund von verschiedenen Bürgerinitiativen in Berlin verboten die "Berliner Festwochen" eines der beiden Plakate von Gottfried Helnwein um ihr "Highlight" HAMLETMASCHINE "nicht zu gefährden". Auf dem Plakat ist das Opfer einer Gewalttat zu sehen, ein 10-jähriges Mädchen. Noch bevor die Inszenierung in Berlin zu sehen war beschäftigten sich Medien, Bürger, Politiker und Rechtsanwälte damit.

(Cover-story) Helnwein gestaltet das Bühnenbild zu Heiner Müllers "Hamletmaschine" in der Regie von Gert Hof Die Schonungslosigkeit, mit der Helnwein den Täter-Opfer-Mechanismus thematisiert - sei es im Einfangen einer Athmosphäre der erbarmungslosen Kälte, - ruft Befremden und Abwehrreaktionen hervor, die sich des öfteren als Skandale niedergeschlagen haben... Dagegen leuchtet die Affinität zwischen Helnwein und Heiner Müllers Hamletmaschine unmittelbar ein, nicht nur weil am Ende, wie es die Regieanweisung verlangt, Ophelia in Mullbinden eingeschnürt wird. Die gewalttätige Sprache des Ende 1995 verstorbenen Dramatikers und Regisseurs bohrt sich, statt wie bei Helnwein mit chirurgischrn Instrumenten, mit Worten ins Fleisch. Auch hier geht es um Opfer, allerdings um Opfer, die sich wehren und in der Wahl ihrer Mittel die Brutalität ihrer Umwelt widerspiegeln.

MTV: Sigismondi and Bowie both acknowledge lifting the imagery in his "Dead Man Walking" video from the work of the English painter Francis Bacon. The look of Floria's most noted video to date, though, [QuickTime,1 MB] "Beautiful People," although it owes a debt to Austrian painter Gottfried Helnwein, was pretty much the inspiration of the artist, Marilyn Manson. KURT: The new wave of rock-video grotesquerie isn't new at all, actually, the Austrian painter Gottfried Helnwein, whose self-portrait adorned the cover of an album by the German band Scorpions some years back, was doing images of medical horror twenty years ago, and no one in rock has gone as far down the road to happy depravity as photographer Joel Peter Witkin, whose deeply disturbing work, which you might best seek out on your own is much admired by Nine Inch Nails leader Trent Reznor, no slouch at images of icky sickness himself.

Helnwein - A Concept Artist before the Turn of the Millennium. Is it sheer coincidence that Gottfried Helnwein, the Austrian artist, created a portrait of both the German and the American? Coincidence, that he captured Warhol as a disturbing spectre on photograph, but painted Beuys? And that he then photographed the painted portrait of Beuys in the hands of Arno Breker, Adolf Hitler's favourite sculptor? There are weighty reasons for considering Helnwein the legitimate heir to Beuys and Warhol.

I'll never forget the sensation I had at the unveiling of Gottfried Helnwein's "Kindskopf" in the Russian Museum. And not just because this enormous canvas (six metres in height, four in breadth), well-known from reproductions, seemed to operate in a whole new way in the real, quasi-monumental space of the museum's "Concrete Hall", originally intended for the demonstration of gigantic sculptural compositions. I realised that I was looking at the inner content of this innovative picture from a whole new point of view.

Much like Joseph Beuys, who opened new, unexpected, and far-reaching spheres for art, Gottfried Helnwein has made works that extend beyond the art scene into the social and political realm. Like his predecessor, he has moved beyond the realm of pure aesthetics, engaging his art into the everyday world. Furthermore his principal interest is not to express personal feelings and emotions, but to make statements that go beyond the individual. He wants to see his work not trapped on the walls of museums and galleries, but revealed in the public domain. He expects his work to intervene in the social sphere and to have a direct impact on the life of his time.

(Auszug) In seinen Gemälden und Grafiken arbeitet Helnwein besonders in der Mitte der 80er Jahre gleichzeitig mit unterschiedlichen Techniken: Abstrakte, gestische und monochrome Malerei stehen neben Fotorealistischen Porträts, Aquarell und Zeichnung neben Fotografie, die er zum Teil stark überarbeitet. Dabei integriert er Bildzitate aus Politik, Massenmedien und Trivialkultur. Bevorzugter Gegenstand seiner Arbeiten sind Kinderbilder, Porträts und Menschen in einem oft trostlosen Stadtraum.

The works of Gottfried Helnwein are technically classified as hyper-realism (surpassing super-realism) and at first glance are practically indistinguishable from photographs. Though realistic in terms of technique, most of Helnwein's works are characterized by metaphorical implications. Among his works, for example, is a painting of a man blindfolded with a bandage around his head. Featured in magazines and newspapers worldwide, looking at this painting may have caused people to feel its unheard cry. Throughout most of Helnwein's work is the basic principle of realism laced with metaphor. Viewed in this light, this basic principle can be considered, in a sense, metaphorical under the guise of realism. On the contrary, photographs by Helnwein look like paintings with implications. Included in all of Gottfried Helnwein's work, this basic principle demonstrates a reflection of the aesthetics of popular culture and irony, and represent Helnwein's major outlook on the world. Gottfried Helnwein is endowed with perfect pitch and distinguished sense of contemporary issues. As a painter whose art deals with issues confronting human society, Helnwein creates a new standard of measuring modernism.

Catalogue Muffathalle, München 47. Berliner Festwochen, Berliner Arena Ausstattung: Gottfried Helnwein Regie: Gert Hof

The works themselves are taken from the artists mind in meditative states. All of them are unearthly while also absolutely everyday. Children, who have been a popular subject during the 20th century - from Chagall to Helnwein - were discredited in Russian art because of sociality and surplus sentimentality.

The atrocities of Hitler's Third Reich cast an indelible shadow over the country. Many Germans are ambivalent about their wartime past. Part of the Nazi lagacy is a strong distrust of authority (in contrast to the traditional German faith in it) and of the military, a distrust that has led members of the younger generation to favor pacifism. Many are members of Amnesty International and Greenpeace. German painter Gottfried Helnwein has gained international renown for his chilling anti-Fascist and anti-militarist canvases.

catalogue text by Chikako Imai text by Evgenija Nicolaevna Petrova Chief Curator, State Russian Museum St Petersburg Alexander Borovsky, Curator for Modern and Contemporary Art,State Russian Museum, St Petersburg Günter Zehnder,Chief Curator, Rheinisches Landesmuseum, Bonn text by Andreas Mäckler.

fm: Sie haben sich als renommierter Kunstkenner auch mit Gemälden beschäftigt, die nach Fotos gemalt wurden - etwa von Malern wie Gerhard Richter und Gottfried Helnwein. Beide haben Porträts gemalt "wie fotografiert" - was reizt Sie daran? Ludwig: Das Foto ist seit der Erfindung der Fotografie ein wesentliches Medium auch für die Maler. Der ganze Impressionismus ist undenkbar ohne Fotografie. Der Bildaufbau der Impressionisten kommt von der Fotografie. Und bedeutende Impressionisten waren auch bedeutende Fotografen. fm: Wozu denn so etwas wie die Arbeiten von Richter oder Helnwein, die Lexikonfotos abmalten? Ludwig: Der Künstler benutzt die Fotovorlagen, um daraus Bilder zu machen - und das ist etwas, was es schon im 19. Jahrhundert gab. Lehnbach hat seine berühmten Porträts der Zeitgenossen nach Fotos gemalt. Richter und Helnwein haben den Fotovorlagen einen zusätzlichen Akzent gegeben - sie haben sie in Bilder umgesetzt und nicht kopiert.

TOKYO Interview with Gottfried Helnwein Interviewer: ITO Toshiharu Translation: ENDO Tohru ゴットフリート・ヘルンヴァイン インタビュー インタヴュアー： 伊藤俊治 遠藤徹　訳

Wenn ich mir ansehe, wieviel Phantasie, Mühe und Fleiss diese Ebenbilder Gottes aufbringen, um Schmerzen zu verursachen, zu zerstören, zu verbrennen, zu zerbrechen, auszurotten, flachzuwalzen, schlechte Architektur und schwachsinnige Musik zu erzeugen, dann habe ich das Gefühl, bei dieser Schöpfung ist etwas schiefgelaufen, da ist etwas in die Hose gegangen. Wenn ich von den Ebenbildern auf das Original schliessen soll - na Gute Nacht! Gott sei Dank gibt's Leute, die der Ansicht sind, dieser Mensch sei etwas, das überwunden werden sollte - wie Nietzsche, Buddha oder Walt Disney. Ich muss gestehen - Ich hätte lieber einen Gott, der wie Donald Duck aussieht , als einen, der wie Adolf Hitler aussieht. Gottfried Helnwein

Gottfried Helnwein's artistic and intellectual approach is to aim quite subtly at producing a crucial feeling of insecurity and a concomitant change of consciousness in the viewer, by using seemingly familiar or usual images that have a certain amount of tradition and an apparently well known composition.

Gründung des Ludwig Museums für Internationale Kunst im Chinesischen Kunstmuseum in Peking, Katalog zur Ausstellung der Kunstwerke die das Sammler-Paar Peter und Irene Ludwig an China geschenkt haben. Das Bild "Dresden" (Mischtechnik auf Leinwand) von Gottfried Helnwein ist Teil dieser Sammlung.

  Gottfried Helnwein     GER Né(e) : 1948 Vienne   Dans le cadre de l' Internationale Photoszene Köln de 1988, il expose la Nuit du neuf novembre du Museum Ludwig à la gare principale de Cologne. Considéré comme un artiste engagé en Allemagne, G. Helnwein intègre les réactions du public à son art qu'il engage constamment dans de nouvelles voies.   Expositions collectives / personnelles / acquisitions Livre & catalogue Portfolio Expositions du moment    

"The reason why I took to doing self-portraits", Gottfried Helnwein said in a 1990 interview, "and why I have been presenting my own persona from the very start, lay in a kind of substitution for the self. There is nothing of an autobiographical or therapeutic nature on show. It tells you nothing about me personally. I don't mean me at all: I just use myself because I am always available as a model. All I mean to present is a human being, pure and simple." The bandaged head became a cliché that was repeatedly misunderstood. Even Mick Jagger once asked, albeit with a laugh: "Will you paint me with bandages?"

The portraits of Hendrix, Joplin, and Lennon are particulary stirring because their ghostlike treatment translates as a poetic and humble tribute to major creative forces whose lives were tragically cut short. As exemplified by the paintings of Helnwein, the purpose of a contemporary rock and roll portrait may extend well beyond biographical signification to stimulating reflection upon larger issues of social or political consequence.

...Ich kam als Neunzehnjähriger aus entsetzlicher amerikanischer Kriegsgefangenschaft in meine Heimatstadt Koblenz, die wie der Tisch platt war. Es waren, glaube ich, noch 5000 Menschen in der Stadt. Wenn man sich auf der Straße begegnete, umarmte man sich, weil man noch gelebt hat. Meine Mutter war umgekommen im Bombenkrieg in Koblenz in unserem Haus. Nichts mehr war da, überhaupt nichts mehr. An Berufszukunft war überhaupt nicht zu denken, es gab gar keine Berufe. Jeder lebte vom Schwarzhandel, ich weiß nicht. Jedenfalls eine produktive Arbeit war nicht da, kein Material und nichts mehr. Da habe ich mich gefragt: was ist denn überhaupt das Leben? Was ist der Sinn? Was ist die Welt? Mein sehr lebenserfahrener Vater, der mich immer gerne in der Wirtschaft gesehen hätte ‐ wir haben eine Generationen alte Firma in Koblenz, die mit Tonwerken zu tun hat ‐, wollte, daß ich Jura studiere. Ich sagte: ich kann das nicht. Mich bringt das um, ich kann nicht in dieser Zeit Recht studieren, wo ich all das Unrecht erlebt habe und täglich neu erlebe. Da habe ich begonnen zu studieren, Philosophie, Kunstgeschichte, Vor- und Frühgeschichte, Archäologie und habe dann als erster promoviert an der neuen Universität Mainz. Aber, was Sie sagen, die Suche nach dem Wesentlichen, das war das Schöne bei meinen ganzen Mitstudenten, wir konnten nicht an Berufserfolg denken, an all das, was später so wichtig wurde.

Die Ausstellung ‘Versuche zu trauern’ will an das Ende des 2. Weltkrieges erinnern. Trauer oder ‘Die Unfähigkeit zu trauern’, um mit Mitscherlich zu sprechen, sind wesentliche Themen des Menschen, der Kunst. In Ihrer Eröffnungsrede sprachen Sie in diesem Kontext von Gewalt, Leid, Tod als Teil des menschlichen Lebens und daß diese Ausstellung Sie sehr ergriffen habe, mehr als andere Ausstellungen zum Thema: 50 Jahre Ende des Krieges. Was bewegt Sie an dieser Ausstellung?

Lexikalische Enzyklopädie mit über 10, 000 Stichwörtern über alle Gattungen der bildenden Künste und der Baukunst von den Anfängen der Kunst bis zur unmittelbaren Gegenwart.

Das Gewaltthema und das Thema "der als Opfer" setzten sich von Beckmanns früher Arbeit von 1907 bis zum heutigen Tag fort. Bei Bruce Naumann, Marcel Odenbach, Jeff Wall und Gottfried Helnwein wandeln sich zwar die künstlerischen Mittel radikal, nicht aber das Thema selbst. Helnweins faszinierendes Oeuvre umfaßt absolute Gegensätze. Helnwein ist ein Künstler der kompromißlosen Aussagen: Das Triviale, etwa der Disneykultur, wechselt ab mit Untergangsvisionen der Seele, die Göttlichkeit des Kindes kontrastiert mit Horrorbildern von Kinderschändung. Sein Grundthema aber bleibt die Gewalt, das physische und seelische Leid, das ein Mensch dem anderen zufügt. Der Künstler variiert dieses Thema innerhalb zweier Komplexe, die sich über viele Jahre hin durch sein Werk ziehen.

Helnwein gehört mittlerweile zu den international populärsten Malern der Gegenwart. Seine künstlerischen Ursprünge liegen allerdings in seiner österreichischen Heimat: Mit dem Magischen Realismus Hausners verbindet ihn die ins Surreale gehende Überzeichnung des Bildgegenstandes, mit Hermann Nitsch und dem Wiener Aktionismus der Hang zur Inszenierung von Blut, Gewalt und Perversion.

Der 46 jährige Österreicher gehört zu den 100 bedeutendsten Kunstschaffenden der Gegenwart, auch wenn seine kritische Malerei viele schockiert. Helnwein ist ein Provokateur, der schonungslos längst vernarbt geglaubte Wunden unserer Zeitgeschichte offenlegt. Er ist jedoch auch ein Mahner angesichts der Leiden der Welt durch Bevormundung und Unterdrückung.

Anders als Courbet in seinem Atelier ist Beuys in seiner Werkstatt allein. Kunst und Leben sind in seiner Figur tatsächlich eins geworden, und zwar auf eine stille, aber um so eindringlichere Art. Ist es da verwunderlich, dass Arno Breker in einer photographischen Arbeit von Gottfried Helnwein Hammer und Meißel aus der Hand gelegt hat und uns resigniert das Bild von Joseph Beuys als unerreichbares Modell vorhält? ( Abb. 20 )

Wir sind Gottfried Helnwein zu grossem Dank verpflichtet, dass er die erste bedeutende Ausstellung von Carl Barks' Kunstwerken und den damit verbundenen Katalog ermöglicht hat. Gottfried Helnwein, selbst ein anerkannter Künstler, hat der Kunstwelt mit diesem Projekt einen grossen Dienst erwiesen, indem er über 300 Arbeiten des Künstlers für dieses wirklich bedeutsame Ereignis zusammengestellt hat.

Nachts war mein Kinderzimmer in ein tiefes rotes Licht getaucht- meine Spielsachen, die Möbel, mein Bett, meine Hände: alles hatte die gleiche Farbe und schien aus demselben weichen Material zu sein. Als wären die Naturgesetze aufgehoben, schien alle Materie von innen heraus zu glühen. Die Ursache dieser roten Wundernächte war der riesige leuchtende Stern der Roten Armee auf dem Dach der Fabrik gegenüber, der nachts seine Glut in meine Kinderstube goss.

Helnwein gilt als einer der wichtigsten Künstler mit politischem Engagement in Deutschland, der im Sinne konzeptioneller Kunst die Reaktion der Öffentlichkeit als Teil einer künstlerischen Arbeit begreift und für ihre Verbreitung neue Wege erschließt.

Helnwein: Wie würde Ihnen die Idee gefallen, Entenhausen eines Tages nachzubauen? Barks: Wer kann schon sagen, wie Entenhausen wirklich aussieht? Helnwein: Wenn man Ihre Arbeiten gründlich studiert, so stößt man auf eine Menge Hinweise. Den Geldspeicher zum Beispiel. Barks: Der Geldspeicher ist wahrscheinlich das herausragende Gebäude in Entenhausen. Ich erinnere mich an eine Geschichte, die mit einem Panorama-Bild beginnt - Donald und seine Neffen blicken von einem Wolkenkratzer hinunter auf eine große geschäftige Stadt mit hohen, mächtigen Gebäuden, einem breiten Fluss und Dampfschiffen. Helnwein: Ja - ich erinnere mich. Barks: Aber das ist nicht das Entenhausen, an das sich die Leute erinnern sollten. Es müsste ein kleineres Entenhausen sein, in dem Daisys und Donalds Haus stehen, und ein paar Ecken weiter das Haus, in dem Gustav Gans (Gladstone Gander) lebt, und natürlich müsste es aber auch Daniel Düsentriebs Werkstatt geben.

Barks: ... I preferred to work with the duck - I could push Donald around, let him get into an accident, I could let him fall off a cliff, or whatever I wanted. It was lots of fun with Donald. With Mickey that would have been dangerous, because he always had to be loved and had to be victorious in all situations. With Donald I had a comedian who I could treat badly and who I could make fun of.

Nach 1945 trumpft die Kunst umfänglich erst wieder mit der 68er Bewegung schockierend auf. Etwa in der Pop-Art. Etwa mit den Bildtafeln eines Roy Lichtensteins. Seine Arbeiten, wie auch die anderer Pop-Artisten, tendieren indes zu einer Ästhetisierung des Schreckens. Zitatförmig nimmt Lichtenstein etwa Comic-Motive vom Krieg auf. Doch die Darstellung oszilliert zwischen Wohlgefallen an der Szenerie und Kritik an der Szenerie. Ähnlich ambivalent erscheinen die zahlreichen Drucke von Andy Warhol zum Thema "Kennedy-Mord". Der wirkliche Schrei, Signum einer Vorkriegsepoche, taucht nicht mehr auf. Ausnahme von der Regel sind die Werke von Gottfried Helnwein. Sie zielen nochmals auf die Scham- und Peinlichkeitsschwelle. Oder sie machen aus dem täglichen Schrecken im Fernsehen ein formatfüllendes Standbild, ("Das Wunder I", 1980, "Das Lied I", 1981).

Es ist der Mensch, ausschließlich der Mensch, das menschliche Antlitz, der vom Leben gezeichnete Mensch. Es geht Helnwein nicht um die schöne Oberfläche des Gesehenen, nicht um ästhetischen Genuß an der Natur und um eine Bestätigung herkömmlicher ästhetischer Normen. Sein Blick geht tiefer, genauer, unter die Oberfläche, hinter die Fassade. Und was er sieht, ist das, was wir nicht sehen wollen, was wir verdrängen und ausklammern möchten. "Vergessen, verdrängen bedeutet aber resignieren; nur Bewußtes kann verändert werden, Unbewußtes natürlich nicht. Und so werden durchaus revidierbare Dinge erst durch Verdrängung unveränderbar", schreibt der österreichische Tiefenpsychologe und Psychotherapeut Erwin Ringel - er sieht in seinem Heimatland, das das Ursprungsland der Psychoanalyse, das Geburtsland Siegmund Freuds ist, "eine Brutstätte der Neurosen." Konnte die Kunst der Wiener Aktionisten, konnten die Aktionen von Nitsch, Mühl und Schwarzkogler nur in Wien entstehen, sind sie zu erklären als Reaktion auf eine repressive Erziehung, auf eine konservative Grundhaltung?

Gottfried Helnwein, 1948 in Wien geboren, gilt als einer der umstrittensten, aber auch bekanntesten bildenden Künstler der Nachkriegszeit. Das Werk des Malers und Fotografen entzieht sich erfolgreich der erledigenden Einordnung wie auch dem systematisierenden Zugriff offizieller Kunstkritik. Zu vielfältig ist die Bandbreite seiner künstlerischen Ausdrucksmöglichkeiten, zu offensichtlich sind Brüche und Widersprüche, als daß man sein künstlerisches Schaffen auf wenige griffige Schlagworte festlegen könnte: Verweigerung stilistischer Kontinuität und immerwährender Neubeginn sind bei Helnwein Konzept. Im Zentrum seines eigentlichen Interesses steht jedoch - ganz im Sinne der Kunsttheorie Kandinskys - nicht WIE, sondern WAS Kunst transportiert und welche Reaktion sie beim Publikum damit auszulösen in der Lage ist. So manifestiert sich Helnweins künstlerische Qualität vor allem in der vom Sujet auf den Betrachter ausgehenden emotionalen Intensität - unabhängig vom gewählten Stil oder Medium.

Seit geraumer Zeit wird in der Bundesrepublik eine erschreckende gesellschaftliche Entwicklung verzeichnet: Misstrauen, Abneigung und Intoleranz allen Menschen gegenüber, die anders aussehen oder anders denken, scheint wieder allgegenwärtig. Hass auf Minderheiten manifestiert sich in brutalen Übergriffen und Attentaten. Symptomatisch für diese Geisteshaltung und ihre Konsequenzen steht für viele der Brandanschlag auf das Wohnhaus einer türkischen Familie in Solingen. In der Nacht auf den 29. Mai 1993 kamen dabei 5 Menschen ums Leben: Vier verbrannten in den Flammen, eine Frau starb bei dem Versuch, ihre Tochter durch einen Sprung aus dem Fenster vor dem Tod zu retten. Das Kind überlebte schwerverletzt.

It is the function of the artist to evoke the experience of surprised recognition: to show the viewer what he knows but does not know that he knows. Helnwein is a master of surprised recognition.

Looking at Gottfried Helnwein' portraits, we once again experience the shock of the new, of an unprecedented view of the person opposite. I have observed many people confronted with these portraits for the first time and again and again they would show surprise, intensity of experience and fascination. Helnwein's portraits can be seen as counterpoles to the technically sophisticated smoothnes of the portraits of Robert Mapplethorpe.

« Le rock, je cinéma et les bandes dessinées, voilà l'Art du 20e siècle : des formes artistiques simples dont la puissance et l'intensité élémentaires nous entraînent. Qualités plutôt rares dans la plupart des œuvres d'art reconnues qui sont, comparées à elles, le plus souvent anémiées, ennuyeuses, et ont peu de choses en commun avec la vie et les êtres humains. » Lorsque Gottfried Helnwein émit ce jugement sur l'art contemporain en 1990, son œuvre personnelle prouvait depuis longtemps qu'il était une fois de plus - bien en avance sur son époque. Car il n'a pas dû se vouer au rock et n'a jamais non plus créé de bandes dessinées. Les films qui ont été tournés - plusieurs prix leur ont été décernés - concernaient sa vie et son œuvre. Bien qu'aussi passionnants que le meilleur film policier, ils n'étaient qu'un véhicule de sa vraie passion, ses toiles, auxquelles il doit sa célébrité : elles vous glacent le sang dans les veines, elles électrisent le spectateur qui les perçoit comme un anathème, elles sont suggestives et ouvrent en même temps de vastes horizons sans pareils. Ni le rock, ni les bandes dessinées, ni le cinéma ne peuvent les égaler.

"I do not refer to the choice of objects, although I mean those too; above all, I refer to that expression of uniqueness, of the special quality of time that pictures can be given by artists who know what a record is. But that requires an interest in the things themselves and it is not enough to be interested in the lighting." Bertold Brecht

C'est souvent à la hauteur des yeux que la violence est concentrée. Helnwein a alors recours au bandage de tête qui prive l'homme de tout rapport visuel avec l'extérieur. Il est évidemment très paradoxal de la part de l'artiste, dont la vie et l'œuvre sont étroitement liées au regard, de s'appliquer à représenter sous différentes formes l'empêchement de voir, le trouble de la vue. Sans doute parce que la portée de son projet ne se limite pas au seul territoire artistique. Son art revêt également une évidente dimension historique.

"Rock music, films and comic strips are the art of the 20th century: basic artforms that make a powerful impact, with elemental potency and intensity. These are the very qualities I have tended to miss in most approved works of high art. In comparison, the latter are generally bloodless and boring, and have little connection with real life and people." When Gottfried Helnwein made this assessment of contemporary art in 1990, he had long since shown in his own art that he was way ahead of his times. Yet again.

Gottfried Helnwein im Gespräch mit Andreas Mäckler. Die Interviews mit Gottfried Helnwein fanden statt am 13./14. Juli und wurden am 21./22. September 1990 fortgesetzt

(Auszug) Fettflecken gingen ja noch an - na egal bzw. um so besser, das Gerippe eines kleinen lyrischen Maulaffen haben wir jedenfalls und, ganz nebenbei, eine Bestätigung für Gottfried Helnweins Behauptung: "Von diesem Jahrhundert wird Walt Disney bleiben und nicht der Joseph Beuys".

Gerhard Richter schuf in den Jahren 1971/72 in fotorealistischer Manier eine Serie von 48 Porträtbildern von Männern, die die Moderne beeinflussten. Zwanzig Jahre nach der Entstehung von Richters Werkgruppe antwortete der österreichische Maler Gottfried Helnwein 1991/92 mit einem Zyklus von 48 Porträtbildern weiblicher Persönlichkeiten. Als Gegenpol zum kühlen Grau der Serie Richters bediente Helnwein sich warmer Rottöne. 1994 erwarben die Sammler Peter und Irene Ludwig die Werkgruppe, die seitdem Teil der Sammlung des Museum Ludwig ist.

The auratic face of a child, six metres high, four metres wide, hanging in the triumphal arch of a medieval church, surrounded by dozens of canvases in the standard size of 200 by 140 cm that are mounted on the church's pillars and walls show heads and fantasy creatures which only on closer inspection may be easily recognized as children's drawings - once more Helnwein upsets traditional structures of perception in a number of ways, including the expectations that visitors have of a Helnwein exhibition. This is signalled already by the title "KINDSKOPF", which in addition to being a reference to the theme depicted (the head of a child) refers to the ironically serious self-representation of the artist (in German "Kindskopf" is a somewhat condescending colloquialism for an adult acting in childish ways), similar to Helnwein's earlier catalogue title "Subhuman" ("Untermensch") of 1988.

Wenn eine Steigerung möglich ist, gelingt sie Kresnik, im Frühjahr 1988, mit seinem nächsten Stück: Macbeth. Natürlich erzählt Kresniks Choreographisches Theater die blutgetränkte Fabel Shakespeares nicht einfach nach. Es hat sich einiger Motive bemächtigt die es wieder und wieder repetiert, in großaufgerissenen, heftig blutenden Bildern und verstörten, irrsinnigen Aktionen, denen der Kresnik geistesverwandte Wiener Maler Gottfried Helnwein als Bühnen- und Kostümbildner lediglich drei Farben gegeben hat: das Schwarz des Todes, das Weiß der Schlachthofwände und Leichentücher und das Rot des Blutes. Das Drama von Königsmord und Wahnsinn erscheint bei Kresnik wie durch den Fleischwolf gedreht: ein Hackstück, roh und triefend von Blut. Bis kurz vor Schluß der Aufführung gibt es keinerlei Entwicklung; nur Ansichten und Variationen von Tod, Mord und Irresein, umgesetzt in bohrende Bilder und verstörende Aktionen. Die Welt als Schlachthaus, abendfüllend und ohne Perspektivenwechsel, ohne Hoffnungsschimmer. Die Figuren heißen zwar "Banquo", "Duncan", "Macbeth" und "Macduff" samt zugehörigen Ladies; auch die drei Hexen, die mit ihren Einflüsterungen die originale Tragödie erst in Gang setzen, sind vorhanden als Mischung aus BDM-Mädchen, Militärpolizistinnen und Go-go-Girls: hübsche Harpyien des Grauens, die das monogam in sich kreisende, mit Blut geschmierte Geschehen antreiben und kontrollieren.

Helnwein zeigt wie nur wenige Künstler in schonungsloser Offenheit und Direktheit den Menschen als Opfer in seiner Qual -- ausgeliefert einer Umwelt voller Bedrohungen. Damit fügt er sich ein in die Reihen so bekannter Maler wie Pieter Breughel, Egon Schiele oder Francis Bacon, die er letzlich in bezug auf ungeschminkte, überzeichnete Darstellungsformen noch weit übertrifft.

An dieser Stelle sollen nun drei Beispiele diskutiert werden, Bilder von Klaus Staeck, Gottfried Helnwein und Paolo Baratella, die das ästhetische Programm der Protestmalerei bis zum gesellschaftlichen Eklat getrieben haben. Helnweins Bilder erwecken eine tiefere Angst vor sadomasochistischer Gewalt, vor Exzessen des Umgangs mit Menschen, die gequält werden, selbst quälen und dem Schrecken der Technik, der Medien oder dem Krankenhausterror ausgeliefert sind. Der Ekel, den seine superrealistischen Bilder vor allem Kranken, Abnormen, Deformierten in seiner hilflosen Auslieferung an gewaltsame Überformung auslösen, ist extremes Schockmittel im Sinne von Antonin Artauds Wirkungsästhetik. "Malen ist sich wehren", sagt Helnwein über seine Motivation. Sein Thema der Bedrohung und Gefährdung scheint den Nerv der Zeit zu treffen, der Aufschrei, den das stumme Medium verschweigt, bricht in jedem Betrachter selbst aus und schlägt die empathische Brücke über die Grenzen von Klassen, Rassen und Kulturen hinweg.

They are completely apart from other human beings. Their emotions, all their feelings,their reactions are opposed to so-called "normal" people's sentiments. They are vulnerable and deeple sensitive people, due to their talents, their super-imagination, their knowledge of hidden influences of which we ordinary human beings are not. They are not easy to live with - if you choose to live with them at all, if you have the luck to meet them at all. Writers, composers, painters - also artists like directors, and actors fall into the same category. They are to be handeled with kid-gloves, mentally and physically. And their reactions go to extremes, compared to non-artistic human beings. And I was lucky enough to meet and love and work for many, many artists, I learned not without heartbreak and pain, to become a better, more intelligent, respectful and devoted person. No tears were wasted in the process. My tears - not theirs! - Marlene Dietrich

For the occasion of the fall of the Berlin-wall Gottfried Helnwein and Marlene Dietrich created the book "Some Facts about Myself" text by Marlene Dietrich conception by Gottfried Helnwein photographs of Berlin by Gottfried Helnwein design und layout by Neville Brody and Giles Dunn

Durch die Ausstellung im Essener Museum Folkwang mit über fünfzig Pastellen, Aquarellen, und Zeichnungen, die zusammen eine konzentrierte Werksübersicht seit 1969 ergeben, führt jener, blutrote, nicht zuletzt austriatypische Faden. Seine Kinder waren immer verletzt, mißraten, dannoch voll trotziger Phantasie. Anfang der siebziger Jahre fertigte der 1948 in Wien geborene Gottfried Helnwein die lieben Kleinen in einer porentief detailbesessenen Mischtechnik aus Farbstift, und Aquarell: Rosa Puffärmel, aus denen bandagierte Hände zum Vorschein kommen, Pupillen, die ebenso puttenhaft kullern wie gespenstisch verdreht sind. Oft war die Lippenpartie eingeschnitten, narbig vernäht und lege einen Teil des Gebisses frei. Immer traf man hier auf einen jungen Verwandten jenes von dem Politbarden Franz-Josef Degenhardt erdachten Hasenscharten-Kindes, "das biß, wenn's bitte sagen sollt". Auch die Federzeichnungen, die in der Nachfolge des dunklen Phantasten Alfred Kubin zwischen 1974 und 1979 entstanden, waren deutlich geprägt durch das Thema "Kind", ebenso wie die ganz frühen Wiener Straßenaktionen, an denen Kinder mit Kopfbandagen beteiligt waren ("Aktion Sorgenkind", 1972).

Artist of inner Turmoil. Gottfried Helnwein's works from the 1980's are represented by the self-portraits in his "Black Mirror" series. However, these works reach far beyond the boundaries of the ordinary self-portrait. They reflect the inner wants and desperation which lies within the viewer's own self. Helnwein points out the new form of the modern self-portrait which involves the creator and viewer alike.

Da es schwierig und gefährlich ist, Antonin Artaud darzustellen, wird vorgeschlagen, von einer dreidimensionalen, plastischen Vorlage auszugehen. Gottfried Helnwein entwirft Skizzen ohne thematische Einschränkung, radikal seiner subjektiven Vision folgend. Diese Entwürfe dienen Heiner Müller zur Reflektion und Bildbeschreibung.

Am 31.5 und 1. 6. 1989 trafen sich Heiner Müller, Hans Kresnik, Gottfried Helnwein und Ismael Ivo in Helnweins Atelier auf Schloss Burgbrohl um die Arbeit an dem Theaterstück über Antonin Artaud fortzusetzen. Das Stück ist nie realisiert worden, die Arbeitsnotizen sind in Teilen erhalten. Für die Struktur des Stückes sollten drei bis fünf Motive über Artaud als Variationen erscheinen wie bei einer Komposition. Heiner Müller sagt, er könne am besten nach Bildern schreiben. Er schlägt vor: Helnwein solle alle erdenklichen Variationen zu dem Thema zeichnen und malen, die als Inspiratione dienen sollen, und auf deren Grundlage Kresnik die Choreographie erarbeiten soll.

Nachts war mein Kinderzimmer in ein tiefes rotes Licht getaucht - meine Spielsachen, die Möbel, mein Bett, meine Hände - alles hatte die gleiche Farbe und schien aus demselben weichen Material zu sein. Als wären die Naturgesetze aufgehoben, schien alle Materie von innen heraus zu glühen. Die Ursache dieser roten Wundernächte war der riesige leuchtende Stern der Roten Armee auf dem Dach der Fabrik gegenüber, der nachts seine Glut in meine Kinderstube goß.

At nights my room was plunged into a deep, red light - my toys, the furniture, my bed, my hands - everything had the same color and seemed to be made of the same soft material. As though the natural laws were suddenly suspended, all matter seemed to glow from the inside out. The explanation for this red magic was the large illuminated star of the Red Army on the roof of the factory across the street, which poured it’s fire nightly into my room.

Wenn wir von Helnwein sagen, er habe von aussen nach innen gemalt, dann heisst das,daß seine minutiöse und bohrend-insistierende Arbeitsweise, die die geschaute Wirklichkeit brutal interpretiert, eine hinter den Dingen im Verborgenen liegende Welt aufzudecken versucht.

Biennale-catalogue This edition, at the Promotrice delle Belle Arti, coincided with the 150 anniversary of the birth of photography. The curator, Daniela Palazzoli, underlined the importance of the artistic value of photograpy putting aside the historical and modern section a contemporary section that hosts authors like David Hockney, Gottfried Helnwein,Clegg & Guttmann, renowned names in the artistic world.

Gottfried HELNWEIN. "Sans Titre" Huile sur béton Fragment Mur de Berlin 1990 - 100 x 120 cm. Collection Art Liberté, Paris - France. Gottfried Helnwein: Né en 1948 à Vienne, Autriche.

In der bewegten Kunst - und Skandalgeschichte der österreichischen Moderne von Schiele, Gerstl, Schönberg und anderen bis zur "Wiener Aktionsgruppe" wird man Helnwein einen gebührenden Platz zuweisen. Helnwein will most certainly attain an appropriate place within the lively history of Austrian art and scandal, which includes the works of Schiele, Gerstl, Schoenberg and others, as well as, the "Viennese Action group" ("Wiener Aktionsgruppe").

It was to our good fortune that Gottfried Helnwein also strove to break away from the museum and gallery sector in order to communicate with a larger public. This appeared on a grand scale on the site between the cathedral and Museum Ludwig, and at a time of "photokina", with its hundreds of thousands of visitors. The 100 metre picture wall did not fail to hit its mark: it induced bewilderment as well as aggressiveness. After a few days numerous pictures had been slashed, one even stolen. Gottfried Helnwein saw the exhibition as a process which would continue and be reflected in later presentations. The pictures were not renewed, but patched up, so that this reminder of the persecution of Jewish people would bear the traces of a lack of insight and understanding in the present day.

"In the struggle against the Jew, I defend the acts of God!" Those were Hitler's words in Mein Kampf. I admire the work of Gottfried Helnwein a great deal. This photographic testimony encourages reflection and provokes the examination of conscience, which is necessary for every one of us where racism is concerned. The laceration of the portraits is proof of the fact that we cannot be indifferent to the warning of the "final solution". I consider myself lucky to be able to exhibit this gallery of memories in its present form in Lausanne.

Not even the children were spared; they, too, fell victim to the destruction. It was Gottfried Helnwein's most convincing idea to present the consequences to this "period without mercy" in such an unconventional manner. He made no use of photos of heaped corpses; children's portraits force the observer to stop and consider this idea. The fury with which the neo-nazis reacted to these portraits is understandable inasmuch as it is the very same fury with which they have for years been fighting against The Diary of Anne Frank; the murder of children rouses abhorrence and conflict in every human, whether they are motivated by ideology or insanity. The urge to destroy has survived; the portraits bear witness to its rage - an attempt was made to cut them to shreds. "People, please, stop,... look at these children's faces, multiply their number by a few hundred thousand. Only then will you realise or gain an inkling of the extent of this holocaust, of the greatest tragedy in human history!"

With the Installation "Ninth of November Night" Gottfried Helnwein wanted to remind us of the "Reichskristallnacht", November 9th to 10th, 1938. He has consciously foregone using documentary archive material. He is chiefly interested in the attitude behind the catastrophe, the roots of the holocaust - the delusion that one is able to measure the worthiness or unworthiness of humans by the form of the nose and ears, by the hair and colour of the eyes.

An Installation by Gottfried Helnwein in memory of "Kristallnacht" (The Night of Broken Glass) 1938. The Installation was erected in fall 1988 on the occasion of the 50th Anniversary of the Pogrom in the night of November 9, 1938. The Installation was placed between Ludwig Museum and the Cologne Cathedral, alongside the railroad track of the central station of Cologne. A hundred meter long wall of pictures with large images of children's faces, in a seemingly endless row, as if made to "line up to be sorted" - "selected". With the faces of christian, jewisch and handicapped children, that lived in Germany in 1988. The first panel was white and had only one word written on: "Selektion".

Artist of inner Turmoil. Gottfried Helnwein's works from the 1980's are represented by the self-portraits in his "Black Mirror" series. However, these works reach far beyond the boundaries of the ordinary self-portrait. They reflect the inner wants and desperation which lies within the viewer's own self. Helnwein points out the new form of the modern self-portrait which involves the creator and viewer alike.

Einzelausstellung, Musée d’Art Moderne, Strasbourg texts by Peter Gorsen and Heiner Müller.

Gleichzeitig mit den ab 1969 gemalten Bildnissen verletzter und mißhandelter Kinder wird um 1971/72 das bandagierte Kind als die neben dem Künstler wichtigste und mit ihm verbündete Märtyrerfigur in der Aktion dargestellt. Es verkörpert den unschuldigen, wehrlosen, der Gewalt ausgelieferten, geopferten Menschen. Als unschuldigem "Lichtkind", dessen Verletzungen an Kopf und Händen Lichtstrahlen wie selbstleuchtende Stigmen aussenden, wird him die gleiche Heroisierung zur Dulder- und Erlöserfigur wie dem Künstler zuteil. In einer Fotosequenz von 1972 wird diese Lichtmystik auf das Selbstbildnis des Märtyrer-Künstlers ausdrücklich übertragen. Die Wundmale und Knebelungen des Gesichtes verwandeln sich in den mit einer Grattage-Technik bearbeiteten Grimassenfotos zu weiß strahlenden Leuchtspuren. Das Gruppenbildnis mit Kindern wird Helnwein, wie auch seine zahlreichen Aktionen mit Kindern in der Öffentlichkeit zeigen, künftig nicht mehr loslassen. Sein Eintreten für die Rechte des Kindes grenzt sich ab von jeder Kindertümelei, die in einer gesellschaftlich ausgegrenzten "Kinderkultur", den kommerzialisierten "Kindermedien", in Kind als pädagogischem Objekt und in der ideologischen Verklärung der eigenen Kindheit durch die Erwachsenen ihren Ausdruck findet. Abgrenzbar ist Helnwein auch vom Wiener Aktionismus, wenn er den Körper des Kindes nicht zum ästhetischen Material (wie in den "Materialaktionen" von Günter Brus, Hermann Nitsch und Otto Muehl) nivelliert, sondern ihm eine symbolische Stellvertreterfunktion für den wehrlosen, geopferten Menschen verleiht. Dem sexualistischen Verständnis des Kindes im (Freud rezipierenden) "Wiener Aktionismus" setzt der Moralist und Weltverbesserer Helnwein die geschlechtslose Heilsgestalt des Kindes entgegen. Die Tendenz zur patriarchalen Verklärung und Idealisierung eines unschuldigen, opferbereiten Kindmenschen, der Kinder und Künstler als einzige kreative Interessengemeinschaft umfaßt, während der weibliche Mensch ausgescholossen bleibt und in den Geltungsbereich der übrigen ästhetischen Objekte fällt, unterscheidet Helnweins Bildwelt wesentlich von Pansexualismus und Triebanarchismus der einstigen Wiener Aktionsgruppe. Das idyllische Gruppenbild des Künstlers als Schmerzensmann mit malträtierten Kindern hat auch einen lebensgeschichtlichen, autobiographischen Aspekt, seitdem die eigenen aufwachsenden Kinder Cyril, Mercedes und Ali zu Modellen der Live- und Fotoaktionen avanciert sind.

Je est un autre, RIMBAUD. Helnwein compared the "quietly theatrical" ecstatic attitude of his self-portrait with the heroic pose of the figure of the suffering figure of Sebastian and generalizes both to the stigma of the artist in the 20th century, making him a kind of saviour figure. In addition, its poetic title sets the viewer onto the right track. The visual montage of the modern artist as Man of Sorrows with Friedrich's landscape painting projects the dashed hopes of the romantic rebellion into the present, to the protest thinking of modernity, which has become introverted and masochistic, and its crossing of aesthetic boundaries. Is romanticism making a comeback? No; actually, it had never left modernity. But its rebellion is confining and introverting itself in the "body metaphysics" of contemporary artists to its own flesh and blood.

Es gelingt Kresnik und Helnwein uns mit einer grausigen Mord-Ballade zu fesseln, die mit höhnischem Gelächter vor unseren Augen vorbeirast - wobei der schon dem Tod geweihte neue Herrscher statt der Krone eine zwar goldene, aber noch Narren-Kappe wie eine Tiara trägt. Sieger, so die Botschaft, gibt es im tödlich närrischen Kampf um die Macht nicht. Sieger in Heidelberg sind, in einer glanzvoll wüsten Inszenierung: Gottfried Helnwein, Johann Kresnik und das mitreißend auftrumpfende Ensemble von siebzehn Tänzerinnen und Tänzern.

Wie hält ein freundlicher Mensch wie Helnwein es aus, seine - exzellente - Malerei zum Spiegel der Schrecken des Jahrhunderts zu machen? Oder hält er es einfach nicht aus, das nicht zu tun? Reflektiert sein Spiegel nur die Jahrhunderthaltung, LIEBER EIN SCHRECKEN OHNE ENDE ALS EIN ENDE MIT SCHRECKEN, die aus der Überbewertung des Todes kommt, Folge seiner Tabuierung durch Statistik. Perseus, der die Gorgo im Spiegel guillotiniert, und wenn der Kopf fällt, ist es der eigene. Wie viel Köpfe hat ein Mensch / Mann in unserem Zeitalter der Spiegel?

Material für den Sekundarbereich II: Malerei, Grafik, Fotografie. SELBSTPORTRAIT, Albrecht Dürer, Rembrandt, Angelika Kaufmann, Caspar David Friedrich, Vincent van Gogh, Max Beckmann, Salvador Dali, Arnulf Rainer, Gottfried Helnwein. Fotorealistischer Aufschrei, Gottfried Helnwein's Selbstportrait, 1983

Das Bild des Menschen in der Leidensnot, des unschuldig Verfolgten und Gequälten, das aus der Kunstgeschichte in zahllosen Märtyererszenen bekannt ist, entsteht immer wieder neu. In den Zahnwehbildern von Oswald Oberhuber und in den Bildern von Gottfried Helnwein ist Betroffenheit über Schmerz und Ausweglosigkeit in der Situation des Kindes dargestellt. Das Kind ist die Gestalt des Unterlegenen, Abhängigen, Ausgelieferten und Ausgenützten. Unter dem Druck einer auf Anpassung drängenden Erwachsenenwelt werden ihm tiefe Verletzungen eingeprägt, entstellende Traumata. Die Bandagen bei Helnwein oder schon zuvor bei den Wiener Aktionisten (Schwarzkoglers Bandagenaktionen) verweisen sowohl auf die Entstellung des Körpers wie auf das Verborgene dieser Verletzungen. Sie üben auf dem Hintergrund einer Tabuisierung von Verwundung, Behindertenexistenz und Tod eine starke Wirkung aus und setzen heftige Reaktionen frei.

GOTTFRIED HELNWEIN 構成・解説　伊藤俊治 リブロポート オーストリア＝ウィーンはヤバい芸術家を数多く輩出／排出している。シェーンベルク、ベルク、ウェーベルンら新ウィーン楽派の音楽、シーレ、ココシュカらの表現主義的な絵画、フックスらのウィーン幻想派。 そして、我らがヒーロー、ゴットフリート・ヘルンヴァイン。

From this it may be seen that the Viennese Helnwein is part of a tradition going back to the 18th century, to which Messerschmidt's grimacing sculptures are to belong, on which one of Freud's pupils wrote a long treatise. One sees, too, the common ground of these works with those of Arnulf Rainer or Nitsch, two other Viennese, who display their own bodies in the frame of reference of injury, pain, and death. And one sees how this fascination with body language goes back to the expressive gesture in the work of Egon Schiele.

Es läßt sich schwerlich leugnen, daß die Aggressions- und Verletzbarkeitssymbolik von Helnweins bekanntem, mehrfach variierten Selbstportrait mit verbundenem Kopf, den von Wundklammern geblendeten Augen und dem aufgerissenen schreienden Mund etwas von einer selbstevidenten Metapher für eine elementare menschliche Bedingung heutiger Existenz hat.

In Wirklichkeit ist Helnwein kaum einzuordnen. Bei ihm findet sich ebenso ein kleinmeisterliches Werk skurril-phantastischer Zeichnungen in der Nachfolge von Redon und Kubin. Meist vergessen wird auch sein Engagement gegen autoritäre Erziehung, Wettrüsten, Verschmutzung der Umwelt und Psychiatrie. Helnwein hat die Motive und Formen der Populärkultur in teils karikierender, teils grotesk verfremdender Absicht verwendet. Sein penetranter Hypernaturalismus beunruhigt, grenzt an ironische Übertreibung. Die Brecht-Benjaminsche Maxime "Nicht an das gute Alte anknüpfen, sondern an das schlechte Neue" hat bereits seine Anfänge in den frühen siebziger Jahren bestimmt. So wurde für ihn das grenzüberschreitende Arbeiten mit Mitteln ebenso der Fotografie, Comic strips, Science-fiction wie der realistischen Malerei eine selbstverständliche Konsequenz. Helnwein hat den "ruhig theatralischen" Verzückungsgestus seines Selbstbildnisses mit der heroischen Haltung der leidenden Sebastians-Figur verglichen und beides zum Stigma des Künstlers im 20. Jahrhundert, einer quasi religiösen Erlöserfigur, verallgemeinert. Sein poetischer Bildtitel bringt den Betrachter zusätzlich auf die richtige Spur. Die optische Montage des modernen Künstlers als Schmerzensmann mit dem Landschaftsbild Friedrichs projiziert die gescheiterte Hoffnung der romantischen Rebellion auf die Gegenwart, auf das verinnerlichte, masochistisch gewordene Protestdenken der Moderne und ihre ästhetischen Grenzüberschreitungen. Kehrt die Romantik wieder? Nein, sie hat die Moderne in Wahrheit nie verlassen. Doch verengt und verinnerlicht sich ihre Rebellion in den irrationalen "Körpermetaphysiken" der zeitgenössischen Künstler auf das eigene Fleisch und Blut.

Die Befreiung aus den Fesseln der Vergangenheit, der Rückzug in die Stille und Besinnlichkeit hat bei Helnwein einen Arbeitsrausch hoher schöpferischer Güte ausgelöst. Sensibler und leiser, aber um so intensiver und kraftvoll formuliert er sein Thema vom verletzten und verwundeten Menschen, von seinen Leiden, seiner Sprachlosigkeit und von seiner Einsamkeit. Immer wieder konterveit Helnwein sich selbst als Verwundeten, mit Mullbinden Verbundenen, als Kopf mit eingeschnürten Sinnesorganen, als jemand, der nichts mehr in sich aufnehmen und nichts mehr von sich geben kann. Die jüngste, vielteilige Reihe mit Selbstportraitköpfen erschein wie ein Befreiungsakt in die Welt der farbenfreudigen Abstraktionen und differenziert schillernden Monochromie. Die Ohnmacht vor dem Destruktiven, Unangenehmen und Hässlichen, die Helnwein in seinen realistischen Bildern verdeutlicht, führt in den neuen Selbstportraits zur Auflösung in den abstrakten Farbrausch.

Als vor einigen Jahren Gottfried Helnweins Werke im Wiener Pressehaus vorgestellt wurden, protestierte der Betriebsrat. Von keiner Gesellschaft, von keiner Klasse, wird neue Kunst akzeptiert, immer nur von einzelnen. Stets gibt es anfänglich Widerstand, weil es in jeder etablierten Gesellschaft an kultureller Beweglichkeit fehlt, das Neue zu erkennen und akzeptieren. Bei Helnwein, der durch seine Bilder konventionelle Verletzlichkeit in einem ganz besonderen Maße provoziert, war die Ablehnung auch entsprechend extrem. "Blut- und Narbenmaler" nannte man ihn. Er hat sich dennoch durchgesetzt. Heute ist Gottfried Helnwein weltbekannt und als Künstler entsprechend eingestuft. Die jetzige Ausstellung zeigt, dass er ein Suchender geblieben ist, einer der nach Sturm und Drang Extreme hinter sich gelassen hat, ohne künstlerische Kraft eingebüßt zu haben. Nach wie vor gilt seine Aussage: "Malen ist sich wehren. Immer eine Antwort auf etwas."

Die Provokationen des 34jährigen Künstlers sind subversiv und klammheimlich. Sie packen den entsetzten Betrachter eben da an, wo die antrainierten Verdrängungsmechanismen sonst so gut funktionieren. Das wird am deutlichsten bei Helnweins Kinderbildern. Zarte pastellfarbene Zeichnungen, die zum Horrortrip für den Betrachter werden. Die sanften Kindergesichter sind durch Verletzungen furchtbar entstellt. Hasenscharten, Narben, Wundmale, Klammern, Kanülen, Bandagen. Der Anblick ist kaum auszuhalten. Aber was bedeutet das schon gegen die täglich von vielen tausend Kindern erlittenen Schmerzen, Qualen und Folterungen? Helnwein denunziert nicht die Kinder - das häufigste Missverständnis, mit dem man sich gegen seine Kunst wehrt - sondern unsere Neigung, vor dem Leiden die Augen zu verschliessen. Der Künstler entlarvt das Bedürfnis nach heiler Welt (oft nur eine Form von Abgestumpftheit) als unmoralisch, als Angst vor der Realität . Ein Moralist mit sadistischen Mitteln.

Das einzige, das von meiner Schulbildung geblieben ist, - das Schreiben und das Rechnen, habe ich in der Volksschule gelernt, bei den katholischen Schulbrüdern - ganz ohne moderne Pädagogik. Dort habe ich sogar im Zeichnen etwas gelernt. Im Religionsunterricht haben wir Herzen gezeichnet - mit Flügeln und schwarzen Flecken, die in den Beichtstuhl hineinfahren und auf der anderen Seite wieder weiß herauskommen. Das ist doch phantastisch! Oder - "das Auge Gottes"! Damals hat jeder in unserer Klasse gezeichnet wie der Günther Brus. Danach auf dem Gymnasium war alles Scheiße. Im Englischunterricht mußten wir 4 Seiten aus "Ann and Pat" auswendig lernen und in Bildnerischer Erziehung eine Wunderblume zeichnen. Ich hasse aber Wunderblumen, und so habe ich Donald Duck als Kapitän gezeichnet, wie er gerade Tick, Trick und Track anschreit. Worauf mein "Zeichenprofessor" meine Eltern vorgeladen hat, um ihnen mitzuteilen, wie gefährlich es sei, Witzhefte nachzuzeichnen. Damit hatte er jedoch nicht recht, denn die einzigen Lehrer, von denen ich wirklich etwas gelernt habe - nicht nur künstlerisch, sondern auch philosophisch, also für's ganze Leben sozusagen, - waren Walt Disney, Carl Barks und Donald Duck. Sie waren immer für mich da, und wenn ich das Gefühl hatte, niemand versteht mich, sie haben mich immer verstanden. Und wenn ich traurig war und einsam, sie haben mich wieder aufgerichtet und mir wieder Mut gemacht, und gemeinsam mit Tick, Trick und Track habe ich dann gesungen: "Wir pfeifen auf Pomade, auf Seife, Kamm und Schwamm, wir bleiben lieber dreckig und waelzen uns im Schlamm!"

Mit kaum einem anderen Wort wird so viel Schindluder getrieben, wie mt dem Begriff Realismus. Dass, was als realistisch bezeichnet wird, nur selten mit mit einer intersubjektiv überprüfbaren Wirklichkeit zu tun hat, ist mittlerweile eine triviale Erkenntnis. Wir wissen zum Beispiel aus dem "sozialistischen Realismus", dass ständig bestimmte stilistische Verfahren mit inhaltlichen Kriterien vermengt und verwechselt wurde. Auch realistische Kunst inszeniert, und was sie da aufbereitet, und wie sie es tut, das sagt mehr aus über das Verhältnis des Künstlers zur Realität als über diese Realität selbst.

einer erstellt die summe seiner beobachtungen in dieser welt der patzer und dämonen. er vernimmt die schreie aus den gekachelten schreckträumen abseits einer satten gesellschaft, die weder mit dem laub der bäume noch mit dem grün der laubfrösche noch mit den froschaugen des miterlebens zu schaffen haben will. er aber hört manche, die da schreien bis ihnen die gehirne zerspringen wie lichtjahre, und hört andere, still vor sich hinweinende, deren tropfende tränen eines noch-hoffens mit dem abscheulichen eisskalpell der hoffnungslosigkeit seziert werden.

Gott zum grusse und anbei ein text, von dem ich hoffe, dass er euch gefallen kann. Meiner meinung wirkt ein surreal-abstrahierter ausruf (oder aufschrei) wie beiliegendes doch am besten.

GEHEN, GEHEN / SCHLURFEN IN DER DAMPFENDEN NÄSSE / DIE GESPIEGELTEN THEATERREKLAMEN WEGKICKEN / VOM GLITSCHIGEN TROTTOIR / IN DEN PEEP-SHOWS VERTROCKNEN / MENSCHEN REMPELN / AUS LIEBE / SICH DIE KÖPFE AN EISENGELÄNDERN ZERSCHLAGEN / IM MILCHIGEN KNEIPEN / DEN ZITTERNDEN KÖRPER MIT SCOTCH FÜLLEN / LÖSCHEN IRGENDWO AM BOULEVARD OF BROKEN DREAMS

Verwunderlich wäre es, doch nicht mehr undenkbar, wenn eines fernen Tages, aus der Anderen Zeit heraus, das deutsche Dritte Reich nicht mehr vornehmlich nach seinem blutigen Formgefühl beurteilt würde, mit dem es die Schrecken der Diffusioo im ersten Massenzeitalter beseitigte, sondern vielmehr erinnert würde als das erste, alles in die Verirrung treibende Beben, als der Erste Ruck vor dem langsam gewaltigen Aufbruch in eine "geschichtslose" statische Epoche.

Er ist an Kummer mit seinen Blicken gewöhnt. Dass ältere Damen in durchaus nicht damenhafte Schimpfkanonaden ausbrechen und andere hysterisch loslachen, dass ruhig und besonnen wirkende Betrachter vor seinen Bildern ihren (un)heimlichen Zorn zu einem Wutausbruch steigern - das alles lässt Gottfried Helnwein längst nicht mehr staunen. "Ich bin meiner Bilder wegen schon mit dem Messer bedroht worden, obwohl diese Menschen mit meinen Arbeiten überhaupt nichts zu tun hatten", versucht er die Wirkung mancher seiner Arbeiten zu beschreiben. "Ich kenne von Jugend auf die Leute. Ihr Aggressionen, ihre Ängste, ihre Verletzlichkeit - das alles ist in meine Arbeiten.

Crying for the moon... immer hast du ihn haben wollen. Zuerst einfach so, als blanke Münze, konvertierbar in deine samtfarbenen Zwangssehnsüchte, als Kleingeld für die Überfahrt in die von den Emigranten der Nacht gelobten Länder, als leuchtender Kiesel - Wegweiser durch die Styxe des Amüsiergewerbes. Den Mond wolltest du, weil du die Erde nicht in den Arm nehmen konntest, den Mond, weil sein Licht dir den Blick in die Höhe trieb, der der Sonne nur blinzelnd entgegenzwinkerte, den Mond, der für die meisten ein Gefühl ist, mit dem keiner weltmäßig leben kann. Mondsüchtig wie Pierrot und doch den Gaffern zugewandt, deren Sympathie sich an deiner trauernden Weiße bricht. Der rote Punkt an deiner Nase ist das Stoppzeichen für all die Aberwitze, die dein Gegenspieler August dir ums Maul streicht. Natürlich bist du prächtig gekleidet und du weißt, was du deiner entrückten Seinsweise an lasziver Grandezza schuldig bist, um nicht nur ins Auge zu fallen, sondern darin zu bleiben, als zur Eisblume verwandelter Splitter, der Stachel der Sehnsucht nach einer Welt, aus der du zu uns kommen scheinst, die du aber nicht verkörperst.

Der 1948 geborene Wiener wird in den USA wie in Japan als virtuoser Graphiker zur Kenntnis genommen, der mit Bleistift und Feder, Buntstift und Aquarellpinsel eine Hinterwelt gespenstischer Überwirklichkeit, der Banalität des Entsetzlichen, des Wahnsinnigen, einen neuen Surrealismus ausspielt. Dieser Surrealismus hat nur mit einsamen und ehrlichen Manifesten des alten Surrealismus zu tun. Er ist mit Goya, Kafka, Edgar Allan Poe, mit den härtesten Äußerungen expressionistischer Graphik und Literatur enger verwandt.

Der Kardinal-König-Preis wird seit 1991 von der vom ehemaligen Erzbischof von Wien, Kardinal Franz König gegründeten Stiftung "Communio et Progressio - Neue Hoffnung für den Donauraum" verliehen. Der Preis wird an Persönlichkeiten verliehen, die einen Beitrag zur Bildung eines Handlungsbündnisses von Wissenschaft, Religion, Wirtschaft und Medien leisteten, um einen Beitrag zur Bewältigung der weltweiten Probleme auf dem Gebiet der Meinungs- und Gewissensfreiheit, der Gerechtigkeit, des Friedens, der Bewahrung der Schöpfung und der allgemeinen Entwicklung der menschlichen Gesellschaft zu leisten. Vor 1991 wurde der Kardinal-König-Preis, vom österreichischen Bundeskanzler an Künstler verliehen, die sich mit meditativer Kunst beschäftigten.